Die Verlorene Welt – The Lost World (1925)

Man muss sich nur vage vorstellen, wie absolut sensationell es im Jahr 1925 gewesen sein muss, auf der Leinwand, übermenschlich groß, sich bewegende Dinosaurier zu sehen, noch dazu zeitgleich im Bild mit Menschen – wie die Menschen einen brennenden Holzscheit nach der angreifenden Echse werfen und dieses den Scheit in seinem Maul auffängt und hin und her bewegt. Nur so lässt sich verstehen, welche nie dagewesene Sensation Die Verlorene Welt war, ein Spektakel sondergleichen, Vorbild für alle Dino-Filme nach ihm – dahinter wird gern vergessen, dass Harry O. Hoyts Film über das Abenteuer von Professor Edward Challenger und seinen Begleitern (Wallace Beery als Challenger, neben ihm vor allem Bessie Love, Lewis Stone und Lloyd Hughes) auch ein ziemlich solider Abenteuerfilm ist, mit ein wenig Slapstick, reichlich exotisch wirkenden Settings, Raubkatzen und Schlangen, und nonchalant eingestreuten zeittypischen Rassismen, vor allem den Schwarzen Diener Zambo, für den der weiße Schauspieler Jules Cowle in Blackface Grimassen zieht. Für die Animation der Saurier war vor allem Willis O’Brien verantwortlich, der später auch bei King Kong für die Technik verantwortlich war. Die neue Ausgabe kommt mit überflüssiger Kolorierung und vor allem leider ziemlich liebloser musikalischer Untermalung.

Diese Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.

Dr. Jekyll & Mr. Hyde (1920)

John S. Robertsons Dr. Jekyll & Mr. Hyde, bei weitem nicht die erste Verfilmung von Robert Louis Stevensons berühmter Erzählung, gehört zu den frühesten Exemplaren des Horrorfilms avant la lettre: Die Kritiker warnten davor, Makeup und Grimassen des Hauptdarstellers John Barrymore, seine Verwandlung in den bösartigen Mr. Hyde könne auf Kinder verstörend wirken. Das liegt auch daran, dass Barrymore an diesem Stummfilm aus dem Jahr 1920 das ist, was noch lange im Gedächtnis bleibt. Sein Dr. Jekyll ist ein Altruist, ein wohlhabender Arzt, der von seinem eigenen Geld eine Art Hospital für die Ärmsten finanziert und sich hier aufopferungsvoll um Kinder, Alte und Schwache kümmert. Von seinem Schwiegervater in spe ein wenig angestachelt, entwickelt er ein Elixier, dass seine bösen Charaktereigenschaften von seinen guten abspaltet – so entsteht Mr. Hyde, der nachts sündhaft durch die Straßen der Stadt zieht. Bis hin zum zwingend tragischen Ende ist das ein aufregender Film, stilistisch nicht so entschieden wie die expressionistischen Meisterwerke (z.B. Nosferatu), die bald darauf folgen sollten. Aber Robertsons Film war ein Wahnsinnserfolg seinerzeit, und wird bis heute in Jekyll/Hyde-Filmen referenziert – am schönsten vielleicht in Stan Laurels Parodie Dr. Pyckle and Mr. Pride.

Diese Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.

French Streetfighter (1988)

Marco (Clovis Cornillac in seiner zweiten Filmrolle) und Luc (Luc Thuillier) sind beste Freunde, draußen in der Pariser Vorstadt La Défense, wo hinter den schicken neuen Bürotürmen in den späten 80er Jahren auch noch Bauzäune, langsam verfallende Altbauten, kleine Brasserien und Kneipen herumstehen. Luc klaut gerne mal ein bisschen, Marco will da eigentlich raus, hat große Träume; aber dann wird Marco mit einer Uhr erwischt, die Luc gestohlen hat, und am nächsten Morgen ist der Polizist tot, der sie an sich genommen hatte… Wer ob des Verleihtitels French Streetfighter einen Martial-Arts-Film erwartet, wird enttäuscht werden: John Berrys Film ist eher zahmes Sozialdrama mit eingestreuten Actionsequenzen, und die sind eher Verfolgungsjagden als dramatische Kämpfe. Berry verließ die USA in den 1950ern, nachdem er dort als Kommunist denunziert worden war, drehte dann mit Eddie Constantine und vielen anderen in Europa. Il y a maldonne („Es gibt ein Missverständnis“), so der Originaltitel, ist einer seiner letzten Filme, auch das Drehbuch ist von ihm, die Beton- und Glasbauten sind hart und eckig, der Himmel irgendwo dahinter, die Menschen unten in den Schluchten. Es geht um Freundschaft und Verrat, am Ende sind alle schuldiger als vorher und niemandem ist geholfen.

Diese Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.

Witches in the Woods (2019)

Eine Gruppe von Collegestudenten fährt zum Snowboarden in die Berge – weil aber die Straße gesperrt ist, müssen sie einen Umweg fahren und wählen dann, weil’s angeblich kürzer ist, eine Abkürzung über einen gesperrten Waldweg. Für einen Film, der sich primär an Horror-affine Zuschauer richtet, ist es starker Tobak, dann mit den Hauptfiguren noch Mitleid erwarten zu wollen: Da muss man schon starke Gründe auffahren, warum nun gerade diese Doofies überleben sollten. Leider gelingt das Witches in the Woods nicht wirklich: Zu stereotyp sind die Personen und ihre Motive, zu altbekannt ihre Konflikte: ein wenig Zickentum, eine gute Prise Eifersucht. Warum die traumatisierte Alison (gruselig: Sasha Clements) überhaupt bei dieser Gruppe dabei ist, wird im Laufe des Films immer unklarer, je mehr man über die anderen erfährt. Da steckt der Wagen längst im Schnee fest, die Aggressionen kochen hoch, die Jump Scares fliegen rechts und links, bis man nicht mehr weiß, ob die jungen Leute sich gegenseitig hochpeitschen oder es doch die Hexe ist, von der sie, noch so ein altbekanntes Motiv, sie aus einem Faltblatt an der letzten Tankstelle gelesen haben. Regisseur Jordan Barker hat mit Torment, Duress und The Marsh – Der Sumpf schon so einige Horrorfilme gedreht, aber dieser lässt eher kalt.

Die Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.

Die Stadt ohne Juden (1924)

Auf einem Pariser Flohmarkt ist dieser Film 2015 wieder aufgetaucht, nachdem zuvor nur Fragmente vorhanden waren. Eine abenteuerliche Entdeckungsgeschichte ist das, ein Glück und ein Zufall: Die Stadt ohne Juden gilt nun als einzig erhaltener österreichischer Stummfilm des Expressionismus, und zugleich ist er ein einzigartiges Zeitdokument. Mit dem Material aus Frankreich war schließlich (es brauchte dazu noch eine Crowdfunding-Kampagne) eine fast vollständige Rekonstruktion des Films möglich, es fehlen womöglich noch ein paar Minuten – aber was zu sehen ist, ist von zum Teil sensationeller Bildqualität.

Der 1924 entstandene Film erzählt davon, wie die Regierung der Republik Utopia – gemeint ist, kaum verhohlen, Österreich, die Romanvorlage ist da explizit – beschließt, die Jüdinnen und Juden aus dem Land zu werfen. Es gibt keinen besonderen Grund eigentlich, aber die Wirtschaftslage ist schlecht, die antisemitischen Politiker (es ist eine reine Männershow im Parlament) und Wirtshausmeiner (auch dies nur Männer) schimpfen gerne aufs Judentum, und Bundeskanzler Dr. Schwerdtfeger gibt ihnen schließlich nach: Bis Weihnachten müssen sie alle das Land verlassen.

Meine Besprechung des wiederentdeckten Klassikers ist drüben bei Kino-Zeit erschienen.

Monster Busters (1987)

Es gibt ja mittlerweile viele, vor allem viele gescheiterte Versuche, die klassischen Universal-Monster gemeinsam auf eine Leinwand zu bringen; unter all diesen aber leuchtet Fred Dekkers phänomenaler Monster Busters (im Original The Monster Squad) strahlend hervor. Dekker selbst hat den Film einmal als „Die kleinen Strolche treffen Frankenstein“ beschrieben: Ein paar monsterbegeisterte Jungs (wir schreiben die 1980er) stellen fest, dass Dracula in ihrer amerikanischen Kleinstadt angekommen ist – und nicht nur er, Frankensteins Monster, ein Werwolf, die Mumie und der „Schrecken vom Amazonas“ sind auch dabei. Bei Vollmond haben sie die Chance, das Gleichgewicht auf der Erde zugunsten des Bösen zu verschieben. Das wollen die Kinder aber natürlich verhindern…

Am Drehbuch für den Film war neben Dekker selbst auch Shane Black beteiligt, und man merkt das am respektvoll-respektlosen Umgang mit dem Erbe der Figuren: Es gibt eine berührende Szene mit Frankensteins Monster und einem kleinen Mädchen an einem See, aber eben auch den Moment, als der Werwolf einen Tritt in die Gonaden bekommt – oder Dracula mit einem Stück Knoblauchpizza ins Gesicht abgewehrt wird. Für das Design der Monster war die Legende Stan Winston verantwortlich; auch deshalb passt die aktuell erhältliche Retro-Edition in VHS-Verpackung perfekt zu diesem Diamanten aus dem Jahr 1987.

Diese Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.

Wir Eltern (2018)

„Seid mal ruhig, ich versuche zu gamen.“ Es ist nicht einfach, mit heranwachsenden, ach was: herangewachsenen Kindern, wenn die es sich immer noch gemütlich im elterlichen Heim machen, aber eigentlich längst hätten eigene Wege gehen sollen. Und das großzügige Geldgeschenk vom Großvater, nach eigenem Gusto für Ausbildung oder Geldanlage oder Verschwendung zu nutzen, hilft, wenn man ehrlich ist, den Eltern auch nicht gerade.

Ein teilweise improvisierter Film aus der Schweiz, in dem eine Familie sich (größtenteils) selbst bzw. eben nicht sich selbst spielt – meine ausführliche Kritik gibt es drüben bei Kino-Zeit.

After Midnight (2019)

Irgendwann in der Mitte des Films laufen da zwei bärtige Amerikaner, beide in Jeans, Hemd aus der Hose, Baseballcap auf dem Kopf, durch von Dornengestrüpp gesäumtes hohes Gras: Der eine trägt eine Schrotflinte, der andere eine Axt. Beide suchen sie ein geheimnisvolles Monster, das sich jedoch nur nachts zeigt – und deshalb weiß man auch eigentlich nicht sicher, ob sich Hank das Viech nicht nur einbildet, das seine Haustür zerkratzt und immer verschwindet, sobald er es sehen könnte.

Durch eben dieses Gras sieht man in der ersten Szene des Films Abby auf die Kamera zugehen. Sie und Hank sind gerade frisch verliebt und irgendwie kann er sie tatsächlich überzeugen, mit ihm hier auf das Gras-und-Gestrüpp-Grundstück zu ziehen, in das langsam vor sich hin verfallende Haus seiner Familie. Da gibt es noch kein Monster; es taucht erst auf, als Abby, Jahre später, ohne nähere Erklärung für einige Wochen verschwindet, nur eine dürre Notiz und Liebeserklärung lässt sie am Küchenschrank zurück.

Liebesgeschichte und creature feature: After Midnight versucht, Drama und Horrorfilm miteinander zu verschränken, und natürlich kennen die Genres in der beschriebenen Gemengelage eine offensichtliche Erklärung: Das Monster ist ausschließlich in Hanks Kopf, steht für nicht ausgetragene Konflikte… falls es nicht doch Abby ist, die als Monstrum ihren Weg zurück nach Hause sucht?

Meine ausführliche Besprechung von After Midnight ist bei kino-zeit.de erschienen.

The Rite – Das Ritual (2011)

Am Anfang stehen Bilder von Verfall: Bilder von menschenleeren Straßen in einer amerikanischen Provinzstadt, sie könnten Gemälden von Edward Hopper entstammen oder den amerikanischen Filmen von Wim Wenders, wären sie nicht so leergepustet von Farbigkeit; dann quietschen auf einem Spielplatz ohne Kinder die Schaukeln und Karusselle rostend im Wind. Aber das ist eine der Oberflächentäuschungen, die Regisseur Mikael Håfström in seinem aufregenden The Rite – Das Ritual unterbringt – im Grunde eine Ablenkung vom eigentlichen, wie später auch der wesentlich malerischere Verfall in Rom, wo er seine Hauptfigur bei einem alten Exorzisten in die Lehre schickt.

Michael Kovak (Colin O’Donoghue) will eigentlich nur von zuhause fort, als er sich ins Priesterseminar begibt. In seiner Familie werde man entweder Priester oder Bestatter, verrät er seinem Freund, und nur so könne er seinen Vater (Rutger Hauer) dazu bringen, ihn auch fortzulassen. Er nimmt seinen Abschied in den ersten Szenen des Films, die nächste Einblendung versetzt die Handlung schon nach „Vier Jahre später“ – The Rite verschwendet keine Zeit, sondern nimmt sie sich dann anschließend, um während des Großteils der zwei Stunden Filmdauer auszubreiten, wie der Seminarist aus Fluchtgedanken sich in Rom bewähren muss.

Trotz seiner Glaubenszweifel habe Michael vielleicht das Zeug zum Exorzisten, sagt ihm sein Vertrauter, Pater Matthew (Toby Jones), und schickt den jungen Mann mit etwas finanziellem Druck für zwei Monate in den Vatikan. Dort wird er schließlich zu Priester Lucas Trevant (Anthony Hopkins) geschickt, einen erfahrenen und praktizierenden Exorzisten, dem er zunächst beim Exorzismus der hochschwangeren Rosaria (Marta Gastini) assistieren soll.

The Rite zeigt schon da, dass er das Genre des Exorzismusfilms zwar nicht unironisch im Blick haben („Was hast Du erwartet!?“, fragt Lucas nach der ersten, sehr harmlosen Sitzung, mit Bezug auf Friedkins Der Exorzist. „Sich drehende Köpfe? Erbsensuppe?“), aber eigentlich vor allem: völlig ernst nehmen will. Schon der Vorspann kündigt das mit einem Zitat von Johannes Paul II. an, und der Versicherung: „Nach einer wahren Geschichte“ Als Vorlage diente das Buch The Rite: The Making of a Modern Day Exorcist des amerikanischen Journalisten Matt Baglio; dem Bericht über einen jungen amerikanischen Priester im Exorzismuskurs dürfte aber so einiges hinzugefügt worden sein, um aus dem Stoff einen kleinen, letztendlich eher leisen Horrorfilm zu machen.

Dem Genre ist ja in den letzten Jahren mit einigen Versuchen arg zugesetzt worden, die herausragenden waren dabei im vergangenen Jahr das Fake-Documentary The Last Exorcism (Der Letzte Exorzismus) sowie der spanische Film La posesión de Emma Evans, die beide mit unterschiedlichem Erfolg der Thematik einen neuen Twist geben wollten. The Rite beschränkt sich auf das Kerngeschäft, und das darf man durchaus wörtlich verstehen. Das führt allerdings dazu, dass sich der Film manchmal in den Konventionen der Tradition verheddert.

Denn natürlich gibt es hier auch auf einmal umgedrehte Kreuze zu sehen, zeigen die Besessenen äußere Zeichen und Körperverdrehungen. Aber nicht nur ist das alles weniger erschreckend als bei Friedkin und seinen Epigonen, es spielt auch schlichtweg kaum eine Rolle, bleibt Oberflächenphänomen. Die Kruzifixe sind Dekor, die sich windenden Körper mehr Gymnastik als Dämonenpräsenz, denn der Film interessiert sich überhaupt nicht für die Symbolpolitik, für tatsächliche Rituale (wie sie der Titel verspricht) und feste Formen.

Das führt dann schon einmal zu seltsam inhaltsleeren Gesten: Einmal liegt Rosaria auf ihrem Bett neben einem Fenster, durch das man die Kuppel des Petersdoms sehen kann. Michael will den Vorhang schließen, aber Lucas stoppt ihn: Der Dämon solle ruhig sehen, wer hier das Sagen habe. Ausgespielt wird dieses Machtverhältnis aber nicht, jedenfalls nicht hier und nicht so.

Stattdessen zeigt sich die wahre Stärke von The Rite – Das Ritual darin, dass die Bewegungen in den Protagonisten viel wichtiger sind als die Nägel, die ausgekotzt werden; dass es tatsächlich um Glauben, Gott, Satan, Gut und Böse, platt gesagt: ums Seelenheil geht. Mit Hopkins, O’Donoghue und Alice Braga (Predators) als Journalistin hat Håfström dabei eine Riege zusammengestellt, die den inneren Konflikten und Glaubenszweifeln überzeugend Gestalt verleiht. Hopkins kann sich dabei immer noch darauf verlassen, dass ihn die Aura des Bösen aus Hannibal-Lecter-Zeiten nicht ganz verlassen hat, und er weiß diese Ambivalenz hier zum Vorteil des Films zu nutzen.

Besonders brennt sich aber der kurze Auftritt von Hauer ins Gedächtnis ein, der in diesem Jahr vor allem im Genrefilm (und insbesondere mit dem sehnsüchtig erwarteten Hobo with a Shotgun) wohl ein bemerkenswertes Comeback haben wird. Sein Istvan Kovak ist schweigsam und sparsam in seinen Bewegungen, und wird dadurch gruselig und bedrohlich, ohne eines von beidem zu sein, eine Figur, die für den Film fast ausschließlich aus dem Blick seines Sohnes heraus existiert.

Da zeigen sich auch die Stärken von Regisseur Håfström, der eben in seiner Inszenierung handwerklich mehr als sicher ist – dass er erschrecken kann, hat er vor einigen Jahren in 1408 ja schon gezeigt. Er fasst seinen neuen Film, so redundant manche Teile der Inszenierung auch sein mögen, dann doch in ein so präzises Korsett, dass The Rite – Das Ritual ein immer dichter werdendes Glaubensbekenntnis aufbaut, dem sich der Zuschauer kaum entziehen kann, auch wenn es nicht sein eigenes sein mag.

Der Artikel erschien zuerst im März 2011 auf horrorblog.org (inzwischen offline).
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Red Sniper – Die Todesschützin (2015)

In Russland ist bis heute der Zweite Weltkrieg, der „Große Vaterländische Krieg“, ein Identifikationspunkt, und diente schon in der Sowjetunion immer wieder der Selbstvergewisserung. Das reicht bis ins Kino hinein – und so wurde Red Sniper – Die Todesschützin ganz bewusst zum 70. Jahrestag des Sieges über Deutschland geplant – und hat doch einen ganz ungewöhnlichen Platz in seinem Genre.

Regisseur Sergey Mokritskiy erzählt – weitgehend am wahren Vorbild orientiert – die Geschichte der 1916 in der Ukraine geborenen Russin Ljudmila Pawlitschenko, die als „Lady Death“ in die Geschichte einging – bis heute ist sie die Scharfschützin mit den meisten bestätigten Tötungen. Die junge Frau wurde nicht zuletzt deshalb bekannt, weil die Sowjetunion sie 1942 auf PR-Tour durch Amerika schickte, wo sie sich unter anderem mit Eleanor Roosevelt, der Frau des damaligen US-Präsidenten anfreundete.

Diese Freundschaft dient auch als Aufhänger für die Geschichte, die in episodenhaften Rückblicken erzählt wird: aus Pawlitschenkos Studienjahren, ersten Gefechten, Verwundungen usw. Ein wenig schwingt immer die Liebe mit zu Offizieren und einem Arzt, es geht ein wenig um Sexismus und kaum ums Vaterland. Denn Mokritskiy macht den Krieg nicht zum Platz der Helden, sondern zu einer ziemlich ungemütlichen Angelegenheit, in der auch die Heldin schonmal fast den Verstand verliert und nach Ende der Kämpfe noch immer leidet: Ein Heldinnenepos mit Ecken und Kanten.

Und noch dazu eines mit einer spannenden Entstehungsgeschichte: Die ukrainisch-russische Koproduktion wurde noch mit der ukrainischen Regierung unter Janukowitsch vereinbart, und Mokritskiy, selbst Ukrainer, konnte bei den Dreharbeiten auf der Krim schon nicht mehr sicher sein, dass er sie dort auch würde vollenden können. Das klappte; aufgrund seiner Vorgeschichte wurde Red Sniper in Russland eher gemischt aufgenommen, zum Teil als „antirussische Propaganda“ beschimpft. Schade, denn er ist wirklich sehenswert.

Die Kritik ist zuerst 2016 in der Deadline erschienen.
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