Nach Danielsens Darstellung (aufgeschrieben aus der Erinnerung) zeigte Troester bei dem Gespräch keine Reue und gar Unverständnis für seine Kritik daran, daß sie den Film besprochen hatte, ohne ihn vorher gesehen zu haben. Jenseits der gerade durch die Rezeption von Inception entstandenen Debatte über Filmkritik, Fanboys und Hypes sieht Danielsen darin Grundsätzliches aufscheinen – für ihn ist das symptomatisch, und er ist vor allem erzürnt, daß viele Freund_innen und Bekannte, die Filmkritiker_innen seien, in letzter Zeit ihre Jobs verloren hätten, während “hacks” weiter Arbeit hätten.

Wer die Filmberichterstattung auch jenseits der Fachpresse und -blogs verfolgt, ist von seiner Fundamentalkritik gleichwohl nicht besonders überrascht. Viele Medien schaffen es gerade so mit Müh und Not, die Pressetexte der Verleiher als “Besprechungen” oder “Filmtipps” wiederzugeben – oft genug samt fehlerhafter Inhaltsangaben und ähnlichen Schwächen.

Man kann allerdings weder Troester noch dem Exberliner vorwerfen, dies systematisch und konsequent zu tun. Auch den Text, der Ende Juni im Heft erschien, hat sie sicher selbst verfaßt; und wenn man ihm etwas vorwerfen kann dann wohl am ehesten, daß er zu allgemein und vage ist, um als Filmkritik wirklich Aussagekraft zu besitzen. Er (online am 19. Juli erschienen) lautet, zu Dokumentationszwecken sei er hier kurz eingebunden, wie folgt:

There’s isn’t anything that Nolan has done that hasn’t been superb. Inception combines everything he’s revered for by film freaks: his fascination for how the mind works – its incredible potential and its fragility; his interest in illusion and surprising plot twists; his commitment to visual brilliance – although here he’s not as original as he can be – and the way he brings out pitch-perfect performances from an ensemble cast of first-rate actors at the top of their game.

Aber natürlich ist nichts so einfach, wie es erscheint. Ich habe die Chefredakteurin des ExBerliner, Nadja Vancauwenberghe, und Änne Troester (die Danielsen “Anne Troester” nennt) um Stellungnahmen zu Danielsens Vorwürfen gebeten. Vancauwenberghe betonte vor allem, wie sehr sie Troesters Einschätzungen vertraue und ihre professionelle Arbeit schätze; darüber hinaus erschienen Texte über Filme im ExBerliner nur dann, wenn die Autor_innen ausreichende Kenntnisse über den Film hätten.

Änne Troester ging in ihrer ausführlichen E-Mail auch auf das Gespräch ein, das sie mit Danielsen geführt hatte, und das sie – obgleich es im Wesentlichen so verlaufen sei wie von ihm wiedergegeben – etwas anders in Erinnerung behalten habe. Er sei sehr aggressiv aufgetreten und habe ihr wenig Gelegenheit gegeben, auf seine Fragen auch zu antworten.

Zum einen war es weniger eine Unterhaltung sondern mehr ein Monolog von Herrn Danielsen, der ganz eindeutig kein Interesse daran hatte, sich über die Qualität von Filmkritiken auszutauschen. Zum anderen zitiert er mich an gleich mehreren Stellen falsch. [...] Auch lässt er in seinem Blog die Schimpfwörter aus, mit denen er mich bedachte, und die mich auch dazu bewogen, die Unterhaltung abzubrechen.

(Dazu ist auch Kommentar Nummer 7 von “Jefferson” zu Danielsens Blogeintrag nicht uninteressant.) Man versuche beim ExBerliner, möglichst alle Filme auch zu sehen, über die man schreibe.

Es kommt selten vor, dass es vor unserer Deadline keine Screener oder Pressevorführungen gibt. Dann greifen wir auf ein mittlerweile sehr umfangreiches Netzwerk an Quellen zurück, das uns zur Verfügung steht. [...] Einen Film selbst sehen ist eine Sache, die ich sehr wichtig nehme – die andere ist, über Fachwissen, Hintergrund und Verbindungen zu verfügen, die mein Urteil lesenswert machen. [...] Sollten wir einmal einen Film nicht gesehen haben und auch nicht über die entsprechenden Quellen verfügen, die uns ein Urteil erlauben könnten, fällen wir auch keins und machen das dann auch kenntlich. Die Tatsache, dass “Inception” nur eine Kurzkritik bekam, entspricht dem Umfang meiner Kenntnisse über dem Film; ansonsten hätte ich ihm sicher in meiner langen Kritik gerechter werden können.

Ich finde die Formulierung am Schluß, daß die Länge des Textes “dem Umfang meiner Kenntnisse über dem Film” entsprochen habe, hier besonders interessant; zum einen dementiert Troester nicht, daß sie Inception nicht gesehen hatte, bevor sie die Kritik schrieb. Zum anderen liegt darin meines Erachtens eine entscheidende Frage versteckt. Denn natürlich ist es gerade im Printjournalismus nicht immer möglich, Filme vor dem Redaktionsschluß zu sehen und zu bewerten. Troester und auch Vancauwenberghe haben daher auf Troesters Kontakte in der Filmindustrie verwiesen, die ihr eine Bewertung und Beschreibung des Films erlaubten.

Persönlich bin ich zwar der Meinung, daß es dennoch nötig gewesen wäre, in der Kritik (denn darum handelt es sich bei dem kurzen Text von Troester, der im Heft in der Tat noch mit drei Herzchen versehen ist und sich in seiner Gestaltung nicht von den anderen Kurzkritiken unterscheidet) kenntlich zu machen, daß die Autorin den Film nicht selbst gesehen hat. Aber läßt sich dieser Mangel in einem kurzen Text auch durch andere Kenntnisse kompensieren? Genügt also eine Kenntnis des Films aus “Zweiter Hand”, vom allerdings berufenen und kompetenten Hörensagen, um wenigstens eine solche kurze Bewertung abzugeben?

Mich interessiert diese Frage tatsächlich sehr, weil sie auf ein ethisches Problem an der Grenze zwischen journalistischem Anspruch und journalistischer Praxis verweist, das man im Onlinejournalismus mit seinen verringerten Verzögerungszeiten normalerweise nicht hat. Und Troesters Rechtfertigung scheint mir immer noch himmelweit von jener unkritischen oder käuflichen Filmkritik entfernt zu sein, die die Verlautbarungen der Verleihfirmen weiterverbreitet oder für Werbeschaltungen auch freundliche Besprechungen liefert.

Was meint Ihr dazu? Läßt sich eine kurze Filmkritik aus in dieser Form vermitteltem Fachwissen rechtfertigen? Falls Ihr selbst Filmkritiken publiziert, wie ist da die redaktionelle Praxis bei den Medien, für die Ihr arbeitet?

(Bleibt sachlich, bitte.)

“Is this another potential?”

Mit Ende Zwanzig ist Oona (Emma Caulfield), die sich aus völlig unerfindlichen Gründen nicht dauernd mit ihren Eltern darüber streitet, wie sie auf ihren seltsamen Vornamen verfallen konnten, romantisch etwas verklemmt. Sie mag sich auf keine Beziehung einlassen, die nicht sicher die Richtige, Vermutlich Mit Vielen Großbuchstaben Zu Schreibende, Glücklich Machende ist. Wäre in unserer Welt eine solche Sicherheit unmöglich zu erreichen, so ist dies in der Welt von Timer, die ansonsten der unseren so sehr entspricht, für eine Handvoll Dollar möglich: Man läßt sich einfach den titelgebenden “Timer” ins Handgelenk stanzen, und schon blinkt und klingelt das Gerät, sobald Mr. und Ms. Right sich begegnen – falls beide einen “Timer” haben. Vorher zählt das Gerät langsam die Tage und Stunden bis zum Treffen herunter; wenn aber der Seelenpartner noch keinen “Timer” hat, blinkt die Zeitanzeige (so bei Oona) leer vor sich hin.

Timer denkt also, und das ist eine wirklich originelle Idee, konsequent weiter, was die mobilen Anwendungen von Social Networks heute schon probieren – und verbindet das mit einem Glücksversprechen, das in der Filmlogik von niemandem angezweifelt wird: Selbst wenn man nicht wisse, wie es funktioniere, daß es funktioniere, sei nicht zu bezweifeln. Die gleichen Ausschlußmechanismen, die sich in unserer Gegenwart verfolgen lassen – zuerst war seltsam, wer ein Handy hatte, jetzt wirken die Menschen altertümlich, die keines besitzen; und liest dies hier jemand ohne Facebook-Account? -, werden in Timer auch in Bezug auf das namensgebende Gadget wirksam. Wer keines hat, ist alt, hoffnungslos out oder kommt halt vom Land.

Aus diesem Setup generiert Regisseur und Autor Jac Schaeffer einen Film, der verschiedene soziale und psychologische Folgen des “Timer” anhand unterschiedlicher Figuren durchdekliniert – Oona ist auf der verzweifelten Suche nach dem Richtigen (und bringt immer wieder Männer dazu, sich einen “Timer” geben zu lassen), während ihre Schwester Steph sich durch die Männerwelt schläft, weil es noch ewig hin ist bis zum Datum, das ihr “Timer” zeigt. Natürlich treten dann mit Mikey und Dan Männer in das Leben der Schwestern, die diese Verhaltensweisen kräftig durcheinanderwirbeln und die Hoffnung ihrer Mutter Lügen straft, daß man sich mit dem “Timer” Herzschmerz, Trennungen und Geschlechtskrankheiten sparen könnte.

Da ist dann reichlich Platz und Gelegenheit für Situationskomik, hintergründigeren Humor und Momente intensiven Fremdschämens; Timer unterhält durchaus vortrefflich. Von den Figuren ist man gleichwohl nicht so richtig mitgerissen, dafür geraten sie doch zu eindimensional; allein Michelle Borth kann ihrer Steph mit Bösartigkeiten und Zynismen noch mehr Lebendigkeit einhauchen.

Und auch wenn der Film dann doch irgendwann die grundsätzlicheren Fragen berührt – was also Liebe eigentlich sei, und was davon übrig bleibe, wenn man allein auf den “Timer” vertraue, so geht er vielleicht doch nicht weit genug, ist nicht wirklich radikal genug, als daß man das Kino mit ein paar Widerhaken im Gehirn verließe. Die Geschlechterrollen sind, für einen das Genre der Romantischen Komödie zumindest mitstreifenden Film durchaus ungewöhnlich, nicht gänzlich konventionell: Hier sind die Frauen tough und professionell, und dafür die Männer sehr gefühlsbetont. Gleichwohl rutscht dadurch etwa die Figur Oona schnell in ein neues Stereotyp (auf das im Mainstreamkino derzeit Katherine Heigl abonniert ist), nämlich die überkontrollierte, eher verklemmte berufstätige Singlefrau.

Vielleicht ist Timer ein Film, dem ein Schuß Queer Cinema – in Geschlechterfragen, Liebesdingen und radikalerer Zugangsweise – gut getan hätte. So ist er aber immer noch eine nette Komödie mit einer sehr, sehr guten Grundidee.

Außer auf dem Fantasy Filmfest ist Timer auch in der Ersten „komischen Filmnacht“ des International Comedy Film Festival zu sehen: Am 1. September 2010 um 20.30 Uhr im Filmtheater am Friedrichshain (Bötzowstraße 1, 10407 Berlin).

Foto: Fantasy Filmfest

Für kino-zeit.de habe ich den französischen Film Das Konzert gesehen, eine berührende Auseinandersetzung mit den Folgen des Stalinismus in Form eines Konzerts. Äh, ja, sagt der Titel.

Inception ist der groß erwartete neue Film von Christoper Nolan, der nun endlich auch in Deutschland startet. Auch wenn der Film die in ihn gesetzten überhöhten Erwartungen womöglich nicht erfüllen kann, ist er doch äußerst sehenswert und mit Sicherheit ein Fall für eine sehr große Leinwand.

Mit Toy Story 3 (für kino-zeit.de gesehen) setzt Pixar schließlich die zurecht bekannte Toy Story-Reihe fort – und fügt Ihr einen fulminanten Schlußpunkt hinzu, eine witzige, familientaugliche, aufregende Reise durch das Leben unserer Spielzeuge.

Foto: Concorde Filmverleih

So ganz persönlich bin ich ja etwas gesättigt von männlichen Rächerfiguren und/oder Kämpfern, die durch verschneite, schlammige Landschaften mit Krüppelbäumen reiten, rennen oder kriechen, da gibt es in letzter Zeit eine gewisse Häufung mit Jonah Hex, Valhalla Rising oder Centurion. Und eben auch Solomon Kane, einem Film, der – so man der Wikipedia glauben mag – die Herkunftsgeschichte erzählen möchte zu einer Figur, die die Welt in den 1920er Jahren in einer guten Handvoll Pulpgeschichten betrat.

Robert E. Howard ist vermutlich heute den wenigsten Menschen ein Begriff, aber neben der Figur Solomon Kane entstammt seinem Hirn auch Conan, der den popkulturellen Bildungskanon natürlich in der Gestalt von Arnold Schwarzenegger bewohnt. Kane läuft nicht halbnackt herum, sondern sehr angezogen in einem sehr feuchten England des frühen 17. Jahrhunderts. Hier spielt ihn James Purefoy; in Howards Geschichten ist er der Kämpfer fürs Gute und Seelenheil, im Film muß das erst einmal hergeleitet werden.

Kane ist Freibeuter, fröhlicher Mörder und Krieger, als ihm die Begegnung mit einem Dämon deutlich macht, daß nur völlige Friedfertigkeit seine Seele noch vor dem Teufel zu retten vermag. Er zieht sich in ein Kloster zurück, wird dort aber weggeschickt, weil sein Schicksal, so ist es einem Priester im Traum erschienen, wohl anderswo sich erfüllen werde. Dann stößt er auf eine gläubige puritanische Familie, die in die Neue Welt auswandern will, aber kaum fühlt er sich bei ihnen aufgenommen, werden bis auf Mutter und Tochter (blond, vague romantic interest) alle von den Schergen des Schwarzen Magiers Malachi ermordet. Deren Anführer, ein geheimnisvoller Mann mit Maske, entführt die blonde Meredith (Rachel Hurd-Wood), Kane schwört, sie zu befreien, nachdem ihr Vater ihm die Rettung seiner Seele dafür in Aussicht stellt, und so nehmen die Dinge ihren Lauf.

Und weil eine solche Originstory noch eine Originstory braucht, erfahren wir in Traumrückblicken noch, daß Kane Sohn eines Fürsten aus dieser Gegend in England ist, der den väterlichen Hof verließ und den bösen älteren Bruder versehentlich von einer Klippe schmiß, als dieser versuchte, ein Mädchen zu vergewaltigen.

Es bedarf nur geringer Phantasie, um zu erraten, um wen es sich bei dem Mann mit der Maske handeln könnte.

Solomon Kane ist ein schwer stimmungsvoller Film, bei dem reichlich Schwerter gewetzt und genutzt werden, Blut fliegt schwarz gegen Kameraobjektive, und die Schwermut wird nur mühsam von ein paar brennenden Fackeln im Zaum gehalten. Leider ist das alles weder inhaltlich besonders originell noch aufregend inszeniert: Man sieht das beherrschte Handwerk, man langweilt sich nicht, aber man vergißt das alles anschließend auch wieder recht bald.

An den Stellen, an denen es interessant werden könnte, weicht der Film dann auch ganz schnell aus: Vage angedeutete Konflikte zwischen “heidnischer” Magie und christlichem Glauben etwa sind Gegenstand kurzer Wortwechsel, aber keiner näheren Betrachtung. Mit Dämonen, schwarzer Magie und dem Teufel wird gleichwohl reichlich hantiert, und der Film wird spätestens dann religiös unangenehm, wenn er Kane, der einmal mit Schwert zu Füßen eines ebenso bewaffneten streitbaren Engels (aus Stein, auf einem Friedhof) niederkniet, mehr und mehr zur Christusfigur mit Schwert stilisiert.

Einmal wird er richtig gekreuzigt (ein zweites Mal, am Schluß, bleibt immerhin noch die Pose), und danach bleiben ihm die Wundmale in den Händen. Sollte es die wohl ursprünglich geplanten zwei Fortsetzungen geben, fürchte ich, daß sie auch noch zu bluten beginnen werden.

Foto: Fantasy Filmfest

(via)

Ach ja, die Rachegeister. Aus dem asiatischen Kino kennt man sie ja inzwischen auch ohne großes Spezialwissen hierzulande recht gut, dank The Grudge (meine Kritik) samt Fortsetzungen und Derivaten, die knarzenden jungen Frauen mit der leicht gebeugten Körperhaltung und den langen schwarzen Haaren… diese Filme schwingen nach in der Geisterscheinung von Ghost Machine, in der ein böser Geist sich in einem Computer einnistet.

Das wäre an sich noch nicht einmal besonders originell, denn schon in den Ringu-Streifen oder One Missed Call (meine Kritik) bedienen sich die Geister moderner Technik zur Fortschreibung der eigenen Existenz. Hier ist der Fall freilich etwas komplizierter bzw. der digitalen Bildproduktion enger angepaßt, denn der Geist lädt sich hier (Logik und Naturgesetze sind im Geisterkino eh’ schon egal) in ein AI-Programm hoch, das das britische Militär als Kampfsimulator erstellt hat – über direkt das Gehirn ansprechende Helme werden die Soldaten virtuell, aber hochrealistisch in eine Kampfsituation verlegt, die von dem AI-System simuliert und angepaßt wird.

Dieses System leihen sich ein paar junge Soldaten aus, um damit in einem stillgelegten Gefängnis zusammen mit zwei Freunden Kriegsspielchen zu spielen, aber dummerweise lauert eben genau dort ein nach Rache dürstender Geist, der dann den jungen Leuten im Spiel wie in der Realität an den Kragen will.

Regisseur Chris Hartwill packt (nach einem Drehbuch von Sven Hughes und Malachi Smyth – für alle drei ist es das Langfilmdebüt) noch die Geschichte um eine junge Soldatin (Rachael Taylor) mit oben drauf, die gerne als gleichwertige Kämpferin anerkennt werden will, aber mit den (auch sexualisierten) Schikanen ihres Vorgesetzten zu kämpfen hat, und unter dem ganzen Gerüst lauert eine Post-9/11-Foltergeschichte samt Geheimverliesen und Waterboarding.

Aber natürlich ist das alles Oberfläche. In Ghost Machine geht es weder um Politik, Folter oder Gleichberechtigung, noch geht es wirklich um okkultes Gedankengut – das sind einigermaßen gekonnt verwobene Vorwände, um CGI-Blut gegen Wände spritzen zu lassen, Köpfe und Augäpfel von ihren Plätzen zu entfernen und schließlich auch virtuelle Wände verschwinden und entstehen zu lassen. Allein in letzterem Fall allerdings paßt der Pixellook, den Ghost Machine mitbringt, auch thematisch wirklich dazu.

Neben den zweitklassigen Effekten sieht man natürlich auch an den Schauplätzen, das der Film mit eher begrenztem Budget entstanden ist. Verlassene Gefängnisse sieht man sonst eher in Abgründen wie Shadow: Dead Riot, aber ganz so schlecht ist Ghost Machine dann auch wieder nicht.

Trailer nach dem Klick:

Foto: Fantasy Filmfest

Davon unabhängig ist der Film aber auch in dieser kurzen Fassung ein hübsch anzusehendes Stück Mystery-SciFi oder so.

Chris Black possesses a power that could lead to the destruction of the current regime, and they will stop at nothing to destroy him. The chase is on as Chris runs for his life in this sci-fi thriller set in an alternate and futuristic Los Angeles.

(Filmhomepage; Facebook; via)

Inception, der neue Film von Christopher Nolan, der zuletzt den grandiosen The Dark Knight (meine Kritik) gemacht hatte, ist ein kaum weniger großartiger Abenteuerfilm, ein Heistmovie in Räumen mit irrealer Architektur, ein kleines Meisterstück der Spannungsdramaturgie und Actionmontage. Kein Streifen ohne Fehl und Tadel, und natürlich kann eine Kritik vor deren größten nicht zurückweichen – geht man aber zu sehr auf die Details ein, erinnert das rasch ans Zählen einzelner fauler Rosinen in dem enormen Kuchen, der ein kleines cinematographisches Schlaraffenland umgibt. Aber genug des Begeisterungspathos, ein paar Rosinen müssen sein.

Nolans Protagonist ist das größte Problem des Films. Das liegt zu allererst und zum geringeren Teil am Star: Leonardo DiCaprio spielt Cobb, und er macht das nicht schlecht, aber er macht es zu sehr wie in Shutter Island; Teddy Daniels und Cobb sind sich zudem recht ähnlich: Ein gebrochener Mann, psychisch womöglich instabil, den Erinnerungen an seine verstorbene Frau verfolgen…

Immerhin geht Nolan mit solchen Rollen-Interferenzen in Star Personas bewußt und elegant um. Denn Cobbs verstorbene Frau, die sich immer wieder als Projektion in seinen Träumen einnistet, wird hier von Marion Cotillard gespielt, deren internationale Karriere erst so richtig begann, nachdem sie den Oscar als beste Hauptdarstellerin für La Môme (2007) gewonnen hatte. Da spielte sie Edith Piaf, und Nolan verwendet nun Piafs wohl bekanntestes Lied, “Je ne regrette rien” als eine Art Leitmotiv – was nicht wenig ironisch ist in einem Film, in dem es sehr viel um Trauer und Bewältigung von Schuld geht, in dem “filled with regrets” als Ausdruck von nicht weniger leitmotivischer Stärke immer wiederkehrt – und zugleich als ein Handlungselement, einen synchronisierenden Reiz, der den Beteiligten ankündigt, wann ihre Träume beendet werden.

Womit wir schon mitten im komplexen Konstrukt wären, das Nolan für Inception gestrickt hat, ein Spiel von so vielen Regeln und Tricks, daß der Film eine gute Stunde braucht, um diese Informationen den Zuschauer_innen zu vermitteln.

Cobb ist ein Dieb der besonderen Art, der es versteht, Informationen direkt aus dem Unterbewußten anderer Menschen zu pflücken. Dazu versetzt er diese mittels bestimmter Drogen und einer Maschine in einen traumartigen Zustand, in den er auch selbst mit eintreten kann, und entlockt ihnen das Gesuchte dort über komplexe Vorspiegelungen und Tricks – etwa durch Drohungen oder indem er sich ihr Vertrauen erschleicht. Freud hätte vermutlich eine Dauerkarte gelöst für diese Form der Informationsbeschaffung, Cobb und seinen Leuten hingegen kümmert die geistige Gesundheit ihrer Zielpersonen nur wenig.

Sie sind wohl die Besten in ihrem Metier, aber nachdem ein Job schief gegangen ist (die Vorgeschichte dazu kann man sich hier als Comic herunterladen [PDF, 45 MB], dessen Inhalt man ohne Vorkenntnis des Films aber womöglich nicht versteht), muß Cobb auf ein Angebot des reichen Geschäftsmannes Saito (Ken Watanabe) eingehen. Diesmal soll er nichts stehlen, sondern seinem Konkurrenten Robert Fischer Jr. (Cillian Murphy) von Saito eine Idee einpflanzen, so daß dieser glaubt, sie selbst gehabt zu haben – diese Form der Beeinflussung wird “Inception” genannt.

Inception ist also zuallererst ein Heist-Movie, denn ob stehlen oder einpflanzen ist hier relativ wurscht: Die Reise geht mehrere Ebenen tief ins Unterbewußte, und dann muß man irgendwie herauskommen. Und ganz in der guter alter Genre-Tradition stellt Nolan uns erst einmal die Protagonist_innen vor (dazwischen: Jagdszenen in Mombasa), neben Cobbs rechter Hand Arthur (Joseph Gordon-Levitt) sind das der “Chemiker” (Dileep Rao), der die Schlafdrogen dosiert, der Trickbetrüger (Tom Hardy – nach Bronson [meine Kritik] schier nicht wiederzuerkennen) und vor allem die “Architektin” Ariadne (Ellen Page).

Ariadne, die Frau mit dem sprechenden Namen, ist neu im Team und im Geschäft. Sie soll die Traumwelten, in die Fischer entführt wird, konstruieren und zugleich als Irrgärten anlegen, deren begrenzte Größe durch ihre Struktur für das Opfer nicht sichtbar wird. Vor allem aber werden Ariadne ausführlich die Regeln und Bedingungen der Traumwelt erläutert – auf dass auch die Zuschauer_innen davon profitieren möchten. Das führt zu einer Menge erklärenden Dialogen, die in der ersten Hälfte des Films die Handlung unterbrechen, und da rumpelt und poltert es schon mal etwas im Timing – aber damit hält Nolan (der auch das Drehbuch geschrieben hat) sich den Rücken frei für den zweiten Teil, in dem es ohne große Pausen ans eingemachte Unterbewußte geht.

Der eigentliche Plan der Diebesbande wird, auch das kennt man aus Filmen wie The Sting und Ocean’s Eleven etc., natürlich in diesen Gesprächen nicht ausgebreitet, sondern anschließend gezeigt. Generische Standardsituationen in den unterschiedlichen Traumwelten (von Agenten im Hotel bis hin zu einer James-Bond-Szenerie in den Bergen, komplett mit Skiabfahrten und Betonfestung) werden in Inception dabei über Wechselwirkungen zwischen den verschiedenen Traumebenen elegant verbunden und unter Spannung gesetzt. Hans Zimmers Musik verstärkt diese Effekte noch zusätzlich – vor allem der tiefe Baß, der auch schon in den Trailern zu hören war und der fast den ganzen Film, mal leiser, mal lauter, unterlegt, fräst sich direkt ins Unterbewußte der Zuschauer_innen hinein.

Nolans meisterhafter Inszenierung und cleverer Kombination der verschiedenen Realitäts- bzw. Traumebenen ist dabei zu verdanken, daß man stets den Überblick darüber behält, was gerade wo passiert. Den Figuren fällt das offenbar nicht zwingend immer so leicht: Sie wappnen sich mit Tricks dagegen, den Traum eines Anderen für ihre eigene Realität zu halten, denn ihr Ziel ist es natürlich zugleich, die Grenzen zwischen Traum und Realität für ihre Opfer verschwinden zu lassen. Inception schließt damit an Fragen an, die im populären Kino spätestens mit The Matrix Einzug gehalten haben, die aber auch in The 13th Floor oder schon in Welt am Draht auftauchten – oder wesentlich surrealer in David Cronenbergs eXistenZ.

Wie diese Filme in weiten Zügen auch ist Inception letztlich vor allem an den dem Drehbuch zugrundeliegenden Ideen und weniger an seinen Figuren interessiert – die Handlung wird durch Aktion und Reaktion vorangetrieben, nicht durch die Entwicklung oder Konfrontation der Charaktere. Zwar hat Cobb durchaus gewichtige emotionale bzw. psychische Probleme, die er seinen Mitarbeiter_innen verschweigt – einzig Ariadne erfährt davon und wirkt, gewissermaßen als Stimme der küchenpsychoanalytischen Vernunft, auf ihn ein. Die Probleme äußern sich dann jedoch, in der Filmlogik ganz konsequent, in den Welten des Unterbewußten durch ganz konkrete Handlungselemente und Personen.

Die Auflösung dieser Schwierigkeiten – und das ist der zweite und hauptsächliche Grund, warum die Hauptfigur ein Problem für den Film ist – ist dann jedoch nicht besonders spannend und fügt dem Film wenig Neues hinzu. Bei all seiner Komplexität und Spannung fehlt Inception dadurch jene emotionale und ethische Komplexität, die Nolans The Dark Knight zu einem so großartigen Film machte.

Inception ist visuell dann am Aufregendsten, wenn Nolan sich daran macht, neue Räume zu schaffen und mit seinen eigenen Naturgesetzen zu handhaben. Die Traumwelten, die für die Diebeszüge geschaffen werden, sollen möglichst real wirken; und doch lassen sich dort eben Dinge anstellen und wirken Kräfte ein, die mit gewöhnlicher Realität nicht mehr viel am Hut haben – diese Szene zeigt das, samt Audiokommentar von Nolan zu ihrer Entstehung und Funktion. (Daß der Film dabei ein paar haushohe Löcher in seine eigene Logik stanzt, vergißt sich im Actiongewitter glücklicherweise leicht.)

Und wenn es der Architektin gefällt, wird eben auch Paris gefaltet und neu zusammengefügt (was übrigens, wenn man nach dem Film auf die Straßen dieser Stadt tritt, ein ihr und ihrer Fülle durchaus angemessenes Handeln zu sein scheint), tun sich hinter Spiegeln neue Wege auf und verbinden sich Escher’sche Treppen zu unendlichen Kreisen. Das alles überführt Nolan in filmische Realität, und auf großen Leinwänden (dem Vernehmen aus den USA nach lohnt es sich wohl, den Film auf Imax-Leinwänden zu betrachten) entfaltet das nicht geringe Wirkung.

Bei all seinen Schwächen hier und da vermag Inception auf jeden Fall zu fesseln – und ganz am Schluß kippt der Film dann doch noch in philosophische Gebiete, die er vorher nur angesprochen und ausgesprochen hatte, aber nie zu zeigen wagte. Dort bleibt Inception dann bis zum finalen Moment, in dem Nolan die Spannung hält und hält und hält und …

Fotos: Warner Bros.

(Zur weiteren Lektüre: David Hudson hat bei Mubi die wichtigsten englischsprachigen Kritiken zu Inception versammelt, und Roger Ebert verteidigt das Recht auf kritische Auseinandersetzung gegen Fanboys und Kritiker_innen mit seltsamen Maßstäben. Und hier ein lesenswerter Verriß.)

“I call this an emergency.”

Daß Reykjavik Whale Watching Massacre, international auch als Harpoon im Vertrieb (obwohl eine Harpune wirklich nur kurz, dann aber blutig, eine Rolle spielt), als Texas Chainsaw Massacre auf dem Wasser vermarktet werden soll, sieht man ja dem Titel schon an, und die Bezüge gehen noch weiter. Nicht nur, daß man hier einer Familie von arbeitslos gewordenen, degenerierten Walfänger_innen bei der blutigen Mordsarbeit zusehen darf (damals war es der Schlachthof, der geschlossen wurde, nun sind es die Abkommen zum Walfang, die die Menschen arbeitslos gemacht haben), deren Mitglieder immer wieder in allen möglichen Kontexten auftauchen, Regisseur Júlíus Kemp konnte auch noch Gunnar Hansen engagieren, den Mann also, der seinerzeit Leatherface spielte.

Für einen isländischen Horrorfilm ist das alles nicht übel, und in der Tat ist Reykjavik Whale Watching Massacre ein recht unterhaltsames Exemplar des Slasher-Terrorfilms. Eine Gruppe von Touristen aus der ganzen Welt (Deutschland, Japan, USA, Frankreich…) findet sich im Hafen von Reykjavik ein, um auf der “Poseidon” aufs Meer zu fahren, Wale gucken.

Dann gibt es einen bizarren Unfall, bei dem der Kapitän (Hansen in also nur einer kleinen und rasch beendeten Rolle) einen recht blutigen Tod stirbt, sein Gehilfe, der gerade noch versuchte, eine deutsche Touristin zu vergewaltigen, macht sich ohne großes Aufheben davon (und ward nie mehr gesehen). Die restlichen Whale Watchers, die das Schiff weder starten noch steuern können, werden dann von den arbeitslosen Walfängern auf ihrem Schiff mitgenommen – und dann geht es umstandslos ans blutige Geschäft des Mordens. Natürlich, sonst wäre der Film doch recht langweilig, geht das nicht so glatt vor sich wie von den Tätern gedacht, und so geht es hin und her übers Schiff, durch enge Gänge und Kabinen, mit Signalpistolen, Beilen und Messern.

Das ist ganz unterhaltsam, aber deutlich untermotiviert und folgt im Wesentlichen den Topoi des Genres, wie man es kennt – der Schauplatz ist halt ein anderer, ein Leuchtturm wird auch noch eine Rolle spielen: am Schluß gibt es noch eine Konfrontation im Wasser, die recht deutlich konstruiert wirkt, um noch eine weitere Figur aus dem Film zu schubsen, nachdem schon zu viele in vorhersehbarer Manier gehen mußten. Das wiederum wirkt etwas lieblos, sind es doch gerade die verschiedenen Touristen, die hier mit deutlich mehr Leben und Komplexität ausgestattet sind, als das von einem solchen Film üblicherweise erwartet werden kann – mit Bösartigkeit gar, unerwarteten Reaktionen, Schwächen und Stärken.

Selbstlosigkeit und gegenseitige Unterstützung muß man jedenfalls von denen, die in Reykjavik Whale Watching Massacre um ihr Leben kämpfen, nicht erwarten. Übrigens gelten die Japaner den meisten Menschen ja als die noch rücksichts- und gewissenloseren Waljäger. Der Film scheint mit seinem Finale dieser These Nahrung geben zu wollen.

(Hartigan fand den Film übrigens deutlich besser.)

Foto: Fantasy Filmfest