Draculas Rückkehr (1968)

Draculas Rückkehr braucht, schließlich ist der Graf eigentlich von uns gegangen, eine etwas bemühte Exposition: Monsignore Müller kommt in das kleine Dorf in den Karpaten, das von dem Vampirgrafen heimgesucht und anschließend befreit worden war; obwohl der Dorfpriester (wie sich zeigt, aus gutem Grund) skeptisch und ängstlich ist, gehen beide zu Draculas Schloss, wo alsbald das Versprechen des Filmtitels erfüllt wird. Bald jagt dann Christopher Lee (zum dritten Mal für die Hammer-Studios in dieser Rolle) die schöne Nichte des Monsignore (Veronica Carlson), während ihr Möchtegern-Bräutigam Paul vom Monsignore in die Kunst der Vampirabwehr eingeweiht wird. Allerdings erweist sich sein Atheismus als Hindernis auf dem Weg zur ordentlichen Vampir-Entsorgung… Freddie Francis hat vor allem in den 1960ern bei so einigen Horrorfilmen Regie geführt, bevor er sich wieder auf reine Kameraarbeit konzentrierte und dann mit David Lynch Der Elefantenmensch und Der Wüstenplanet drehte, mit Martin Scorsese auch Kap der Angst. Sein Talent für die gekonnte Inszenierung blitzt hier immer wieder auf, auch wenn die Handlung zuweilen etwas ziellos mäandert. Dafür sind die Studiokulissen so prächtig, dass die Außenaufnahmen in Feld, Wiese und vor allem Wald fast wie irreale Fremdkörper wirken.

Die Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.
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Dracula (1958)

Neben F.W. Murnaus Nosferatu und der klassischen Universal-Verfilmung von 1931 mit Bela Lugosi ist Terence Fishers Dracula die womöglich maßgebliche Verfilmung des gleichnamigen Romans von Bram Stoker. Mit Frankensteins Fluch hatte Fisher 1957 die Erfolgsgeschichte der klassischen Horrorfiguren für die Produktionsfirma Hammer eingeleitet, ein Jahr später blieb seine Vampir-Verfilmung recht nah an der literarischen Vorlage – bei den sechs weiteren Dracula-Filmen, ebenso mit Christopher Lee in der Titelrolle, nahm man sich dann größere Freiheiten. Anders als im Buch ist Jonathan Harker von Anfang auf Reisen, um den Grafen unschädlich zu machen; er kann aber nicht verhindern, dass Blut und Verderben seine Heimatstadt heimsuchen, die von London an einen unbestimmten Ort auf dem europäischen Festland verlegt wurde. In diesem Dracula wird die immer schon implizite Verbindung zwischen Vampirismus und Sexualität überdeutlich inszeniert, ohne dass es je ins explizit Erotische wechselt; aber das braucht es auch nicht. Fishers Inszenierung, die reichlich ausgestatteten Studiosets und die Ernsthaftigkeit der Schauspieler (mit Peter Cushing als großartigem Van Helsing) lassen den Film auch ohne große Effekte wirken, das sehr rote Blut brennt sich in die Netzhaut: Was für ein filmischer Hochgenuss!

Die Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.
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Agents of SHIELD – Staffel 4

Serien haben den Fluch und den Segen, in jeder Staffel, mit jeder Fortsetzung ihr Universum erweitern zu können – und zu müssen. Es genügt nicht, immer nur das Gleiche neu zu erzählen – und so haben auch die Agents of S.H.I.E.L.D. mit jeder Staffel der Marvel-Serie neue Herausforderungen zu bewältigen. Die Serie war jene, die anfangs dem „Marvel Cinematic Universe“ (MCU) sehr nahe stand; in Staffel 4 bewegen sich die Agents aber auf
Terrain, das in den Filmen überhaupt nicht stattfindet – Geister, Simulationen, religiöse Untertöne gar. Und auch wenn immer wieder Anknüpfungspunkte ans MCU hergestellt werden – Agents of S.H.I.E.L.D. macht jetzt mehr und mehr sein eigenes Ding, und das ist so irritierend wie gelegentlich sehr aufregend. Die meisten Änderungen kommen in dieser Staffel durch zwei neue Charaktere zustande: Der aus Marvel-Comics bekannte Ghost Rider spielt eine wichtige Rolle – Gabriel Luna, derzeit als neuer Terminator auf den Leinwänden, gibt ihm resigniert-ironische Untertöne. Und Mallory Jansens A.I.D.A. genannter Android sorgt dann für Verschiebungen einer noch ganz anderen Größenordnung. Auf die bekannten Figuren müssen Fans natürlich nicht verzichten – nur müssen sie zum Teil in ganz andere Rollen schlüpfen. Das macht die Staffel durchaus unvorhersehbar spannend.

Die Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.
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Why Don’t You Just Die! (2019)

Der erste Besuch beim Vater der neuen Freundin ist für junge Männer ja — patriarchale Erwartungen schwingen da viele mit — immer mit vielen Erwartungen und Sorgen überfrachtet. Da darf man schon mal nervös sein. Matvej allerdings ist vor allem deshalb nervös, weil er den Mann umbringen will – Olja hat ihn schließlich dringend darum gebeten.

Why Don’t You Just Die! von Kirill Sokolov beginnt mit diesem Warten vor der Wohnungstür, irgendwo in einem typischen, etwas runtergekommenen russischen Mietshaus mit knarzendem Aufzug und neugierigen Nachbar_innen. Matvej steht da mit dem Hammer hinterm Rücken, nervös, aber entschlossen. Es ist gerade genug Gangster in ihm, wird es später von ihm heißen, und da ist was dran: Der Junge wirkt eigentlich eher still und schmächtig, weiß aber trotzdem, wie man eine Handschelle mit einer Haarnadel öffnet.

Meine ausführliche Besprechung des so schwarz-lustigen wie blutigen Debüts von Sokolov ist auf kino-zeit.de erschienen.

Autobahn (2019)

Fallen wir gleich mal mit der Autotür ins Haus: Dieser Film ist nichts für Menschen, die von Autolärm eh schon traumatisiert sind. Denn im Bad Oeynhausen der Jahre 2011 bis 2018, wie es hier präsentiert wird, gibt es vor allem interessante Menschen und Autoverkehr. Viel Autoverkehr.

Mitten durch die Stadt, die im 19. Jahrhundert als Kurbad gegründet wurde, führt die Bundesstraße 61; sie verbindet die Autobahnen A30 und A2; erstere endet bis 2018 westlich der Stadt, letztere führt südöstlich an ihr vorbei. Als Verbindung der beiden Autobahnen, die ihrerseits Teil der Route Amsterdam – Berlin – Warschau sind, eine alte und immer noch moderne Handelsroute, plante man irgendwann in den 1960er, 1970er Jahren eben diese Bundesstraße, die dann vierspurig ausgebaut wurde. Was das bedeutet, zeigt Daniel Abmas Dokumentarfilm Autobahn ganz ohne jede dramaturgische Überhöhung, indem er einfach Häuser, Ladengeschäfte an der Straße filmt, in ruhigen Einstellungen, frontal, aber von der anderen Straßenseite. Autos ziehen vorüber, Lastwagen in großen Mengen, der Lärm ist eigentlich unerträglich.

Meine ausführliche Kritik zu Autobahn (ab 30. Januar in einzelnen Kinos) ist jetzt auf kino-zeit.de erschienen.

Supervized (2019)

Es wird im Alter halt nicht leichter: Die Prostata, der Schließmuskel, die Gelenke. Für die Bewohner_innen dieses speziellen Altenheims in Irland ist es vermutlich noch ein wenig schlimmer, denn in ihrer Jugend waren sie allesamt Superheld_innen – enorm stark oder schnell, telekinetisch begabt oder teleportierend. Und nun? Nur noch ein Schatten ihrer selbst, eingesunken auf dem Sofa, und es bleibt unklar, ob die Enkelkinder endlich mal zu Besuch kommen.

Für kino-zeit.de habe ich mir den durchaus knarzigen Supervized von Steve Barron angesehen.

Wild Rose (2019)

Tom Harper braucht nur wenige Minuten, um uns Hals über Kopf in seine Protagonistin Rose-Lynn (Jessie Buckley) verknallt zu machen. Mit offenen Augen und heißem Herzen, hoffnungslos. Wie sie aus dem Gefängnis entlassen wird, die Ungeduld in den Fingern, die Freiheitslust in den Augen, das Lächeln — dieses Lächeln! — im Gesicht. Sie sitzt im Bus zurück nach Glasgow, die Kopfhörer auf dem Kopf, Country im Ohr, ihrem und unserem, ein kurzer Besuch bei ihrem Freund, ein schneller Fick auf dem Rasen, unterm offenen Himmel.

Wild Rose war für mich die Entdeckung und Beglückung des ausgehenden Jahres 2019. Meine ausführliche Lobpreisung, Bejauchzung und Bejubelung (singen kann ich leider schlecht) gibt es bei kino-zeit.de.

Knives Out – Mord ist Familiensache (2019)

War es Colonel Mustard im Arbeitszimmer mit dem Revolver? Oder doch Miss Scarlett mit dem Strick im Billardzimmer? Bei Knives Out – Mord ist Familiensache scheint die Sache wesentlich klarer zu sein als im heute leicht angestaubt wirkenden Gesellschaftsspiel Cluedo, sieht man doch schon in den ersten Minuten: Es war Harlan Thrombey selbst, mit dem Dolch, im Arbeitszimmer.

Aber nichts ist, wie es scheint. Rian Johnsons „Murder Mystery“ mag zunächst sehr altmodisch daherkommen, aber das ist elegante, sehr zugestellte Oberfläche – ähnlich wie das Haus, in dem Thrombey lebte, ein Haus, wie einer der anwesenden Polizisten bemerkt, gleich einem Cluedo-Spielbrett.

Knives Out ist ein Genuß, eine Feier vor allem des Ensembles, das offenbar wahnsinnig viel Spaß hatte. Die Kritik (eher dringende Empfehlung) gibt es auf kino-zeit.de.

Terminator: Dark Fate (2019)

Geschichte wiederholt sich im Kino ja gerne einmal; in seiner Grundkonstellation greift Terminator: Dark Fate auf, was James Cameron 1984 mit Terminator gemacht hatte: Ein menschlicher Soldat verteidigt eine junge Frau gegen eine übermenschlich-unmenschliche Maschine.

Nur dass hier die Verhältnisse anders stehen: Es kämpfen drei Frauen gegen eine Maschine, eine der Frauen „enhanced“, mit Implantaten stärker und schneller gemacht.

Für das feministische Filmblog Filmlöwin habe ich mir so drei oder viele Gedanken zu dem neuen Terminator-Film gemacht.

Lady Bloodfight (2016)

Jane Jones (Amy Johnston) hat von ihrem Leben in den USA die Nase voll und geht, etwas unvermittelt; „denkst du an meine Zigaretten?“ fragt ihre Mutter noch. Ihr Ziel ist Hongkong, wo ihr Vater vor vielen Jahren an einem Kampfsportturnier teilgenommen hat und verschwunden ist. Frisch angekommen, wird sie von drei Räubern in die Ecke getrieben, aber die Kampfsportmeisterin Shu (Muriel Hofmann) rettet sie – und will sie als Stellvertreterin für sich selbst bei einem Underground-Kampfturnier rekrutieren und trainieren. Dort trifft sie dann auf Kämpferinnen aus der ganzen Welt, unter ihnen auch Ling (Jenny Wu), die von Wai (Kathy Wu) trainiert wurde. Wai verbindet eine langjährige Rivalität mit Shu – und so geht es bei dem Turnier um mehr als um’s Gewinnen und um die Suche nach dem Schicksal von Janes Vater…

In den 1980er und frühen 1990er Jahren war die Hochzeit amerikanischen Exploitationfilme mit Kampfsportthemen, von Jean-Claude van Dammes Bloodsport bis hin zur American Fighter-Reihe und darüber hinaus. Lady Bloodfight nimmt viele der Themen und Motive auf und modernisiert sie ein wenig: Figurenentwicklung, Kampfstile, Inszenierung. Chris Nahons Film bleibt aber ganz im Exploitation-Modus: Dreckig und blutig – Gesichter und Körper sind immer wieder zerhauen, Blut spritzt und fliegt im Rhythmus der Faustschläge. Die Figurenzeichnung ist eher oberflächlich, die Charaktere bleiben Stereotype, aber dies ist ja auch kein Genre, in dem man komplexe dramatische Handlungsstränge erwartet. Man darf aber bemerkenswert finden, wie viel sich in dem Jahrzehnt seit Corey Yuens Bonbon-Martial-Arts-Spektakel Dead Or Alive getan hat: Hier treten wieder nur Frauen in einem Turnier gegeneinander an, und während Yuen ein klinisch reines Spielzeugland zeigte, wird hier vor Containerkulisse bis aufs Blut aufeinander eingedroschen. Das muss man nicht gut finden, aber für Freunde des Genres bietet Lady Bloodfight genau das, was der Titel verspricht, direkt und roh.

Die Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.
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