Und das Weibsbild, das hat Zähne …

Dieser Essay war am 18. Januar 2011 zuerst im Blog des International Comedy Film Festivals erschienen, das inzwischen offline ist. Anlass war das Screening des phänomenalen kleinen Meisterwerks Teeth. Der Text ist hier unverändert wiedergegeben.

Früher, da war die Welt noch in Ordnung. Da waren es Drei Männer im Schnee, die sich in komödiantische Verstrickungen begaben, und am Ende blieb nicht nur das soziale Gefüge zwischen Herr und Diener unangetastet, der junge Mann bekam auch noch die Tochter des Alten zur Frau. Und es gab natürlich Ein Pyjama für Zwei, in dem sich Rock Hudson und Doris Day zwar auf scheinbarer Augenhöhe begegnen – beide als Angestellte unterschiedlicher Werbeagenturen – aber dann schließlich doch sich die Frau dem Mann in den Arm wirft, und natürlich nicht umgekehrt.

Aber, ach, so sind die Zeiten nun nicht mehr. Heutzutage bleibt den Männern in den Komödien manchmal sogar nur die Rolle des sympathischen Losers, oft genug jedenfalls sehen sie sich mit aufmüpfigen Frauen konfrontiert, die ihnen die Position an der Spitze von Gesellschaft und Schöpfung streitig machen.

So ist das in Made in Dagenham (jetzt als We Want Sex in deutschen Kinos), in dem britische Arbeiterinnen sich dagegen wehren, das sie schlechter bezahlt werden als ihre männlichen Kollegen; und so ist das auch, auf der anderen Seite der sozialen Verhältnisse, in Potiche (Das Schmuckstück) von François Ozon: Da muss die Frau eines Fabrikbesitzers eher notgedrungen als gerne die Zügel in der Regenschirmfabrik in die Hand nehmen – und dann will sie sie gar nicht mehr loslassen. (Ganz nebenbei ist Potiche ein Film, der zeigt, wie sehr und wie gut gelaunt die französischen Regisseure ihre Grandes Dames des Kinos zu inszenieren und zu feiern verstehen.)

Es ist vielleicht kein Zufall, dass diese Filme beide in der Vergangenheit spielen, in Welten zumal, die womöglich politisch und ideologisch noch etwas einfacher, durchsichtiger waren (oder jedenfalls im Film so wirken), mit klareren Grenzen und schärferen Regeln. Für soziale und politische Auseinandersetzungen der Gegenwart lassen sich meist nicht so entspannte Bilder und Wortgefechte finden, weshalb sie als zentrale Themen wohl noch am ehesten in schwarze Komödien Eingang finden – man denke nur an Four Lions – oder in humoristisch gedrehten Dokumentarfilme à la Michael Moore. In beiden Fällen aber nährt sich das Lachen aber wohl oft genug vor allem aus der Verzweiflung, wie schlimm die Verhältnisse wirklich sind.

Love is a battlefield

Das heißt nun aber keineswegs, dass die Frauen- und Männerbilder der Gegenwart kein Thema des Kinos wären – das Gegenteil ist selbstverständlich der Fall, nur wird eben in den allermeisten Fällen die Emanzipation selbst nicht thematisiert, wird, aufs Politische gesprochen, die Feminismusfrage nicht gestellt. Zugleich ist aber ein bestimmtes Genre wie womöglich kein zweites dafür geeignet, den Stand des Verhältnisses der Geschlechter zeit- und kulturgenau zu präsentieren: die Romantische Komödie.

Sie ist ja auch bestens dafür geeignet. In ihrer meistverbreiteten, heterosexuellen Variante steht ja gerade ein (Bald-, Nochnicht-, Nichtmehr-)Paar im Zentrum der Aufmerksamkeit, in dem zwar nicht durchschnittlich und typisch, aber eben doch: beispielhaft ein Mann und eine Frau aufeinander treffen. Mit ihnen treffen aber zugleich eben „die Verhältnisse“ aufeinander, Machtgefüge und Beziehungsmuster: Selbst wenn eine solche Komödie nicht dazu gedacht (und wahrscheinlich auch nicht geeignet) ist, die bestehenden Statūs Quo aufzubrechen, so sind sie doch dazu geeignet, sie zu repräsentieren, will sagen: aufzuzeigen.

Darin wird dann das eigentlich Exemplarische nämlich in der Tat schnell zu einer Form der Wirklichkeitsbeschreibung in allen Spielarten der Gegenwart: In den Actionkomödien Kiss & Kill sowie Knight & Day gab es zweimal schlanke, blonde Dummchen neben muskulösen Supermännern zu sehen; dagegen wirkt das widerwillige, seinen Teenagerjahren auch schon entwachsene Paar in The Ugly Truth geradezu emanzipiert, obwohl sie trotz oberflächlicher Verbesserungen nicht viel weiter sind als Hudson und Day es seinerzeit waren. Und dann wiederum gibt es ältere Herrschaften wie in It’s Complicated, bei denen die Unabhängigkeit der Frau von den Männern sich nicht aufs Materielle beschränkt.

Wenn man an eine Verbindung zwischen dem Kino und der Realität glaubt, wenn hier also auch ein wenig Weltbeschreibung geschieht, wird schon überdeutlich, dass die Welt nicht mehr in Ordnung ist wie früher, oder genauer: jedenfalls nicht mehr in einer Ordnung. Stattdessen stehen sich hier viele, auch widersprüchliche Lebensentwürfe gegenüber, fast wie im wirklichen Leben. Man kann das negativ postmoderne Beliebigkeit oder Orientierungslosigkeit schimpfen, oder sich über Vielfalt und Freiheit freuen. (Und natürlich gab es das früher auch schon. Aber das ist eine andere Geschichte.)

Wenige Komödien haben solche Entwürfe in den letzten Jahren schöner und witziger aufeinanderprallen lassen als Will Glucks Easy A, in der die fabulöse Emma Stone als Olive zum Tratschzentrum ihrer High School wird, nachdem sie vorgespielt hatte, ein schwuler Freund habe Sex mit ihr gehabt. Konstrukt und Sympathien dieses Films stehen ganz in der Tradition der Highschoolfilme von John Hughes und haben wenig zutun mit Machwerken wie She’s All That, die die weibliche Hauptfigur ostentativ in den Mittelpunkt des Geschehens rücken, damit sich der Mann umso besser an sie heran entwickeln und bilden kann.

Easy A hingegen hat eine Protagonistin, die ihr Schicksal immer selbst in die Hand nimmt – und Jungs kommen darin zwar auch vor, aber davon lässt sie sich ihr Leben und ihr Denken nicht bestimmen. (Das coolste Elternpaar, das man im Kino seit langem zu sehen bekam, hat der Film außerdem.) Bei allem Gerede um Sex aber – denn darum geht es in den Gerüchten um Olive: mit wem sie wann, wie viel oder gar: für wie viel Sex hatte – weicht der Film der Sexualität seiner Protagonistin aber weiträumig aus. Ganz jungfräulich und damit höchst unbedrohlich ist die junge Dame – so kann sie auch der bösen Gerüchte ganz unschuldiges Opfer sein.

Vom Horror, eine Vagina zu haben

Es ist dann schließlich der Horrorfilm, der sich die vielleicht ehrlichsten Blicke ins gesellschaftliche Unbewusste erlaubt, der für Vorstellungen von weiblicher Sexualität, nicht zuletzt das Geheimnis von Schwangerschaft und Geburt, oft nur wenig angenehme Bilder findet – von Alien bis Splice, von Species bis Brain Dead geht es in komplexen Bild- und Gedankenwelten um Fortpflanzung und Mutterschaft von bedrohlich bis grotesk (und, die Älteren werden sich erinnern, schon in Psycho spielte das ja eine gewisse Rolle), während auf der anderen Seite eine Horrorkomödie wie Doghouse eine an den Haaren herbeigezogene Handlung verwendet, um das weibliche Geschlecht und seine Emanzipationsbestrebungen ordentlich in die Schranken zu weisen.

Teeth nun ist ein Film, der komische Elemente des Highschoolfilms nimmt und sie so mit groteskem Körperhorror vermischt, dass etwas ganz und gar Eigenes und Eigenartiges dabei herauskommt. (Er ist damit eigentlich sehr nahe am gefälligeren und zugleich zielloseren Jennifer’s Body von Karyn Kusama und Diablo Cody, dessen komödiantische Aspekte allerdings meist völlig unterschätzt werden.) Mitchell Lichtensteins Film erzählt von einer feministischen Selbstermächtigung, die ganz und gar direkt über die Sexualität der Protagonistin Dawn (Jess Weixler) vermittelt wird – aber anders als in vielen ähnlichen Geschichten wird die Frau hier nie wirklich zum Opfer.

Die Komik des Films liegt meines Erachtens gerade darin, dass er diese Erwartung durchbricht und seine Hauptfigur mit ganz eigenen Fähigkeiten ausstattet, die sie im Laufe des Films immer präziser und selbstbewusster einzusetzen versteht. Das Lachen richtet sich dann immer gegen jene, die noch glaubten, die alten Machtverhältnisse bestünden noch – während das Leben längst seinen eigenen, anderen Weg genommen hat.

Dawns erwachende Sexualität (ihr Vorname ist natürlich kein Zufall), mit der sie sich anfangs überhaupt nicht beschäftigen will, ist tatsächlich eine Gefahr – aber nicht die, vor der sie selbst sich immer gewarnt hat. Stattdessen stürzt sie den die Macht repräsentierenden (aber schon in der feministischen Theorie nie real besitzenden) Phallus ganz wortwörtlich, und mit ihm auch die Verhältnisse. Und wenn dann einer der vielen Männer im Film zu ihr sagt, wiederholend was so viele Vergewaltiger zu ihren Opfern schon sagten: „Your mouth is saying one thing, but your sweet pussy is saying something very different“ – dann bereitet er damit nur den Moment vor, in dem er merken muss, dass bei Dawn beide mit einer, sehr deutlich vernehmbaren Stimme sprechen.

Dr. Jekyll & Mr. Hyde (1920)

John S. Robertsons Dr. Jekyll & Mr. Hyde, bei weitem nicht die erste Verfilmung von Robert Louis Stevensons berühmter Erzählung, gehört zu den frühesten Exemplaren des Horrorfilms avant la lettre: Die Kritiker warnten davor, Makeup und Grimassen des Hauptdarstellers John Barrymore, seine Verwandlung in den bösartigen Mr. Hyde könne auf Kinder verstörend wirken. Das liegt auch daran, dass Barrymore an diesem Stummfilm aus dem Jahr 1920 das ist, was noch lange im Gedächtnis bleibt. Sein Dr. Jekyll ist ein Altruist, ein wohlhabender Arzt, der von seinem eigenen Geld eine Art Hospital für die Ärmsten finanziert und sich hier aufopferungsvoll um Kinder, Alte und Schwache kümmert. Von seinem Schwiegervater in spe ein wenig angestachelt, entwickelt er ein Elixier, dass seine bösen Charaktereigenschaften von seinen guten abspaltet – so entsteht Mr. Hyde, der nachts sündhaft durch die Straßen der Stadt zieht. Bis hin zum zwingend tragischen Ende ist das ein aufregender Film, stilistisch nicht so entschieden wie die expressionistischen Meisterwerke (z.B. Nosferatu), die bald darauf folgen sollten. Aber Robertsons Film war ein Wahnsinnserfolg seinerzeit, und wird bis heute in Jekyll/Hyde-Filmen referenziert – am schönsten vielleicht in Stan Laurels Parodie Dr. Pyckle and Mr. Pride.

Diese Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.

Witches in the Woods (2019)

Eine Gruppe von Collegestudenten fährt zum Snowboarden in die Berge – weil aber die Straße gesperrt ist, müssen sie einen Umweg fahren und wählen dann, weil’s angeblich kürzer ist, eine Abkürzung über einen gesperrten Waldweg. Für einen Film, der sich primär an Horror-affine Zuschauer richtet, ist es starker Tobak, dann mit den Hauptfiguren noch Mitleid erwarten zu wollen: Da muss man schon starke Gründe auffahren, warum nun gerade diese Doofies überleben sollten. Leider gelingt das Witches in the Woods nicht wirklich: Zu stereotyp sind die Personen und ihre Motive, zu altbekannt ihre Konflikte: ein wenig Zickentum, eine gute Prise Eifersucht. Warum die traumatisierte Alison (gruselig: Sasha Clements) überhaupt bei dieser Gruppe dabei ist, wird im Laufe des Films immer unklarer, je mehr man über die anderen erfährt. Da steckt der Wagen längst im Schnee fest, die Aggressionen kochen hoch, die Jump Scares fliegen rechts und links, bis man nicht mehr weiß, ob die jungen Leute sich gegenseitig hochpeitschen oder es doch die Hexe ist, von der sie, noch so ein altbekanntes Motiv, sie aus einem Faltblatt an der letzten Tankstelle gelesen haben. Regisseur Jordan Barker hat mit Torment, Duress und The Marsh – Der Sumpf schon so einige Horrorfilme gedreht, aber dieser lässt eher kalt.

Die Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.

Monster Busters (1987)

Es gibt ja mittlerweile viele, vor allem viele gescheiterte Versuche, die klassischen Universal-Monster gemeinsam auf eine Leinwand zu bringen; unter all diesen aber leuchtet Fred Dekkers phänomenaler Monster Busters (im Original The Monster Squad) strahlend hervor. Dekker selbst hat den Film einmal als „Die kleinen Strolche treffen Frankenstein“ beschrieben: Ein paar monsterbegeisterte Jungs (wir schreiben die 1980er) stellen fest, dass Dracula in ihrer amerikanischen Kleinstadt angekommen ist – und nicht nur er, Frankensteins Monster, ein Werwolf, die Mumie und der „Schrecken vom Amazonas“ sind auch dabei. Bei Vollmond haben sie die Chance, das Gleichgewicht auf der Erde zugunsten des Bösen zu verschieben. Das wollen die Kinder aber natürlich verhindern…

Am Drehbuch für den Film war neben Dekker selbst auch Shane Black beteiligt, und man merkt das am respektvoll-respektlosen Umgang mit dem Erbe der Figuren: Es gibt eine berührende Szene mit Frankensteins Monster und einem kleinen Mädchen an einem See, aber eben auch den Moment, als der Werwolf einen Tritt in die Gonaden bekommt – oder Dracula mit einem Stück Knoblauchpizza ins Gesicht abgewehrt wird. Für das Design der Monster war die Legende Stan Winston verantwortlich; auch deshalb passt die aktuell erhältliche Retro-Edition in VHS-Verpackung perfekt zu diesem Diamanten aus dem Jahr 1987.

Diese Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.

After Midnight (2019)

Irgendwann in der Mitte des Films laufen da zwei bärtige Amerikaner, beide in Jeans, Hemd aus der Hose, Baseballcap auf dem Kopf, durch von Dornengestrüpp gesäumtes hohes Gras: Der eine trägt eine Schrotflinte, der andere eine Axt. Beide suchen sie ein geheimnisvolles Monster, das sich jedoch nur nachts zeigt – und deshalb weiß man auch eigentlich nicht sicher, ob sich Hank das Viech nicht nur einbildet, das seine Haustür zerkratzt und immer verschwindet, sobald er es sehen könnte.

Durch eben dieses Gras sieht man in der ersten Szene des Films Abby auf die Kamera zugehen. Sie und Hank sind gerade frisch verliebt und irgendwie kann er sie tatsächlich überzeugen, mit ihm hier auf das Gras-und-Gestrüpp-Grundstück zu ziehen, in das langsam vor sich hin verfallende Haus seiner Familie. Da gibt es noch kein Monster; es taucht erst auf, als Abby, Jahre später, ohne nähere Erklärung für einige Wochen verschwindet, nur eine dürre Notiz und Liebeserklärung lässt sie am Küchenschrank zurück.

Liebesgeschichte und creature feature: After Midnight versucht, Drama und Horrorfilm miteinander zu verschränken, und natürlich kennen die Genres in der beschriebenen Gemengelage eine offensichtliche Erklärung: Das Monster ist ausschließlich in Hanks Kopf, steht für nicht ausgetragene Konflikte… falls es nicht doch Abby ist, die als Monstrum ihren Weg zurück nach Hause sucht?

Meine ausführliche Besprechung von After Midnight ist bei kino-zeit.de erschienen.

Buchkritik: Radikale Erschütterungen

Die Filme des „New French Extremism“ (oder Französischen Terrorkinos) im ersten Jahrzehnt der 2000er, von High Tension bis The Divide sind zwar Lieblingsfilme unter Genrefreunden sowohl im Publikum wie im Feuilleton, es mangelt aber bislang noch an gründlicher wissenschaftlicher Auseinandersetzung. Immerhin löst man sich inzwischen vom Begriff des „torture porn“ – vielleicht auch deshalb, weil man aus Frankreich eben doch Kino mit Hirn erwartet, und zwar nicht nur dem an der Wand. Die Berliner Filmwissenschaftlerin Susanne Kappesser hat sich in ihrer Doktorarbeit „Radikale Erschütterungen“ dieses Korpus’ nun einmal angenommen – und schaut natürlich genau hin: Was sind die Körperbilder, die in diesen Filmen thematisiert (und womöglich zerstückelt) werden – und welchen Effekt haben sie auf die kulturell geprägten Körpervorstellungen der Zuschauer? Was hat es zu bedeuten, dass in diesen Filmen (besonders hervorgehoben in High Tension und Inside) Frauen Hauptrollen sowohl als Opfer als auch als Täterinnen spielen? Und welche kulturellen, vielleicht auch politischen Effekte hat es, dass es in den Filmen nicht zuletzt auch um „Frauenthemen“ geht: Mutterschaft, heteronorme (oder deviante) Sexualität… Kappessers Arbeit (von Marcus Stiglegger betreut) verliert sich dabei nicht in wissenschaftlichen Jargon, sondern analysiert das Material und bleibt über weite Strecken sehr lesbar. Und ein Gewinn ist ihr Buch sowieso.

Susanne Kappesser: Radikale Erschütterungen. Körper- und Gender-Konzepte im neuen Horrorfilm. Berlin: Bertz+Fischer 2017 (Reihe: Medien/Kultur, Bd. 12). 208 S., 25,00 €.

Die Kritik ist zuerst in der Deadline erschienen.
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Puppet Master: Das tödlichste Reich (2018)

Die Puppet Master-Filmreihe umspannt seit David Schmoellers erstem Streifen von 1989 bereits zwölf Filme über den Puppenmacher André Toulon, dessen Kreaturen mittels eines Elixiers zum Leben erweckt werden konnten; weil er diese Kräfte nicht den Nazis in die Hände fallen lassen will, bringt er sich lieber selbst um. Aber natürlich erwecken seine Erfindungen gleichwohl böse Interessen und Gelüste, und so laufen schließlich mordende Puppen durch die Gegend. Das war eine Konstellation, die sich in immer leicht variierten Geschichten immer wieder neu erzählen ließ; wenn auch vielleicht nicht immer mit gleichermaßen interessanter Strahlkraft.

Für die zwölfte Fortsetzung Puppet Master: Das tödlichste Reich haben die schwedischen Regisseure Sonny Laguna und Tommy Wiklund (die zuletzt We Are Monsters gemeinsam gedreht haben) die Hintergrundgeschichte grundsätzlich neu geordnet. Sie erleichtern den Einstieg mit zwei Ikonen des Horrorkinos: zum einen Udo Kier, der mit viel Latex im Gesicht und Menschenverachtung in der Stimme eine neue Inkarnation von Toulon spielt. Dessen Puppen ermorden in einem kurzen Rückblick auf die späten 1980er Jahre ein lesbisches Liebespaar, er selbst selbst wird kurz darauf von der Polizei in seinem Haus erschossen.

Denn Toulon war in dieser Variation der Geschichte, so erzählt es zum anderen dann Barbara Crampton als Polizistin im Ruhestand ihrem Publikum anläßlich des dreißigsten Mord-Jubiläums, ein überzeugter Nazi, der wahrscheinlich auch seine Frau noch auf dem Schiff während der Überfahrt in die USA umgebracht hat. Seine Puppen sind inzwischen makabre Sammlerstücke, die nun auf einer Aktion verkauft werden sollen. Im Brass Buckle Hotel treffen sich die Sammler, aber dann erwachen die Puppen, wohl durch die Nähe zu Toulons Mausoleum, zu neuem, naja, Leben – und fangen gleich einmal an, ihre vermeintlichen Besitzer zu ermorden.

Puppet Master: Das tödlichste Reich splattert dann sehr exploitativ dahin, mit weitgehend nackten Frauen- wie Männerkörpern, mit abgetrennten Körperteilen oder weit aufgerissenen Wunden aus Latex und so viel Blut, so dass eine ganze Zeit lang die Freigabe durch die SPIO mit „Keine schwere Jugendgefährdung“ in der Schwebe hing. Empfindsam sollte man jedenfalls nicht sein, es geht schon recht brutal zu und auch ohne Rücksicht auf sonst übliche Grenzen. Die Effekte sind wohl vor allem Tate Steinsiek zu verdanken, wären aber auch eines Tom Savini würdig. Die technische Eloquenz wird noch ergänzt durch die Musik von Fabio Frizzi, der viel mit Lucio Fulci zusammengearbeitet hat, und Richard Band, der an der Puppet Master-Reihe schon länger mitgearbeitet hat.

Was Lagunas und Wiklunds Beitrag zur Reihe aber besonders heraushebt, sind die Darsteller, die Story und das fürs exploitative Splatter-Horrorkino außergewöhnliche Drehbuch von S. Craig Zahler (Brawl in Cell Block 99, Bone Tomahawk). Denn in diesem Film wird keine wahllos zusammengestellte Reihe von Hotelgästen ermordet, die Puppen metzeln sich vor allem durch Gruppen jener Menschen, die auch der Nazi Toulon gehasst hätte. Als erstes wird ein jüdisches Paar verbrannt, das eben noch darüber sprach, dass man mit dem Sammeln der Puppen den Nazis gewissermaßen den Stinkefinger hinhalte: Seht her, wir leben noch, aber eure Symbole sind jetzt unsere Sammlerstücke. Und dann sterben vor allem Schwarze, Homosexuelle… die Puppen haben es vor allem auf Außenseiter der Gesellschaft abgesehen, und das darf man durchaus als politischen Kommentar von Autor und Regisseuren verstehen.

Vor allem aber gelingt es dem Drehbuch, interessante Hauptfiguren zu entwickeln: Den leicht gescheiterten Comicautor Eddie Easton (Thomas Lennon), gerade geschieden und nun frisch verliebt in Ashley (Jenny Pellicer), die zusammen mit seinem Chef Markowitz (Nelson Franklin) mitten in dem Gemetzel stranden. Die Beziehungen dieser drei untereinander, ihre Dialoge und Dynamiken sind auch ohne das Morden sehenswert; um sie wird es uns wirklich Angst und Bange.

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Hell Fest (2018)

„Enter if you dare!“ Komm rein, wenn du dich traust! Hell Fest geht zumindest mit einem gesunden Selbstbewusstsein in seine ersten Minuten, die quasi als Flashback bereits das Grundthema etablieren: In einer Art Geisterbahn treibt ein fieser Mörder sein Unwesen, das Opfer wird Teil der Attraktionen – zumindest, wie wir später erfahren, bis es beginnt streng zu riechen.

Regisseur Gregory Plotkin hat sich nach dem eher faden Paranormal Activity 3: Ghost Dimension nun vorgenommen, seinen nächsten Genrefilm nun auf jeden Fall eins nicht werden zu lassen: langweilig. Zwischendurch hat er bei Get Out und Happy Deathday den Schnitt bewerkstelligt und offenbar einiges gelernt, auch wenn sein Eintrag in den zeitgenössischen Slasher das komödiantische allenfalls in der Übersteigerung sucht.

Dabei lässt es sich zunächst sehr typisch an: Drei sehr amerikanische Pärchen im frischen Collegealter verbringen den Halloween-Abend (ausgerechnet!) gemeinsam. Und wo könnte man sich schöner und kontinuierlicher Gruseln als auf dem „Hell Fest“, gewissermaßen ein Pop-Up-Vergnügungspark des Schreckens. Vermutlich schlecht bezahlte Monsterdarsteller schreien die Besucher in jedem zweiten Moment an, da wird aufgefahren, was die Populärkultur so hergibt: von Clowns und Zwergen über bärtige Damen bis hin zum Predator und selbst die Jeff Goldblum‘sche „Brundlefly“ ist dabei und spuckt nichtsahnenden Besucherinnen grünen Glibber aufs Leibchen. Es ist eine Freude.

Und es ist natürlich auch ein filmischer Trick: Die Jumpscares sind gewissermaßen schon Teil der diegetischen Erzählung, gehören automatisch zu dem, was in der Handlung ständig allen widerfährt. Das wertet ihr Schreckpotential auf Dauer zwar einerseits ab, da aber in eleganten Abständen immer wieder etwas Blutiges passiert (sprich: sich die Zahl der sechs Hauptfiguren langsam, aber kontinuierlich reduziert), halten die dauernden Schrecken andererseits zugleich die Spannung hoch. Anstregend ist das auf Dauer gleichwohl, zumal fast der gesamte Film im Halb- bis Ganzdunkel von Geisterbahnen, „Haunted Houses“ und ähnlichen Situationen spielt.

Dass Plotkin sich für seine Spezialeffekte weitgehend auf gute alte Handarbeit, auf Latex und Kunstblut verlässt (und überhaupt hier nicht zu sehr ins splattrige Detail geht) passt ebenfalls gut zum Hintergrund des Halloween-Themenparks – und sieht in der Tat einfach besser aus.

Die vagen Hintergrundstories zu den Personen sind nicht wirklich von Bedeutung – Studentin Natalie (Amy Forsyth) ist mal wieder zurück in der Stadt, und ihre ehemalige Mitbewohnerin Brooke (Reign Edwards) will sie mit dem hübschen Gavin (Roby Attal) verkuppeln. Natalie ist nicht einmal abgeneigt, hat aber eigentlich keine Lust auf Halloween und noch weniger auf die neue Mitbewohnerin Taylor, die sie von früher wohl kennt. Bex Taylor-Klaus, die sich vor allem mit der neuen Scream-Serie im Slasher-Genre eingeführt hat, bringt noch am meisten Leben in ihre Rolle als rotzfreche und vor allem sehr nervige Taylor; alle anderen Figuren sind nicht einmal Stereotypen, zu oberflächlich bleibt ihre Charakterisierung.

Es geht hier wirklich hauptsächlich um das Wie und das Wann des Slasher-Abzählreims, mit haufenweise falschen Fährten und kleinen, biestigen Wendungen. Beleuchtung, Musik, Basstöne, die permanente Überladung mit Gruseleffekten… das macht schon eine ganze Weile lang wirklich Spass. Hinzu kommt, dass „Candyman“ Tony Todd höchstselbst den Durchsagen auf dem „Hell Fest“ seine Stimme verleiht, auch selbst als Conférencier einer Scheinhinrichtung auftritt.

Mit seiner Person wird dann doch ein wenig sichtbarer, wie clever, aber wohldosiert Hell Fest die eine oder andere metafilmische Referenz unterbringt; ironische Distanz will und soll der Film daraus aber nicht ziehen, dafür ist er zu direkt, und klar. Und kann es sich dann auch erlauben, ein gänzlich ungewöhnliches Ende zu nehmen, das zugleich abgründiger und furchtbarer ist als jedes blutige es sein könnte.

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Draculas Rückkehr (1968)

Draculas Rückkehr braucht, schließlich ist der Graf eigentlich von uns gegangen, eine etwas bemühte Exposition: Monsignore Müller kommt in das kleine Dorf in den Karpaten, das von dem Vampirgrafen heimgesucht und anschließend befreit worden war; obwohl der Dorfpriester (wie sich zeigt, aus gutem Grund) skeptisch und ängstlich ist, gehen beide zu Draculas Schloss, wo alsbald das Versprechen des Filmtitels erfüllt wird. Bald jagt dann Christopher Lee (zum dritten Mal für die Hammer-Studios in dieser Rolle) die schöne Nichte des Monsignore (Veronica Carlson), während ihr Möchtegern-Bräutigam Paul vom Monsignore in die Kunst der Vampirabwehr eingeweiht wird. Allerdings erweist sich sein Atheismus als Hindernis auf dem Weg zur ordentlichen Vampir-Entsorgung… Freddie Francis hat vor allem in den 1960ern bei so einigen Horrorfilmen Regie geführt, bevor er sich wieder auf reine Kameraarbeit konzentrierte und dann mit David Lynch Der Elefantenmensch und Der Wüstenplanet drehte, mit Martin Scorsese auch Kap der Angst. Sein Talent für die gekonnte Inszenierung blitzt hier immer wieder auf, auch wenn die Handlung zuweilen etwas ziellos mäandert. Dafür sind die Studiokulissen so prächtig, dass die Außenaufnahmen in Feld, Wiese und vor allem Wald fast wie irreale Fremdkörper wirken.

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Dracula (1958)

Neben F.W. Murnaus Nosferatu und der klassischen Universal-Verfilmung von 1931 mit Bela Lugosi ist Terence Fishers Dracula die womöglich maßgebliche Verfilmung des gleichnamigen Romans von Bram Stoker. Mit Frankensteins Fluch hatte Fisher 1957 die Erfolgsgeschichte der klassischen Horrorfiguren für die Produktionsfirma Hammer eingeleitet, ein Jahr später blieb seine Vampir-Verfilmung recht nah an der literarischen Vorlage – bei den sechs weiteren Dracula-Filmen, ebenso mit Christopher Lee in der Titelrolle, nahm man sich dann größere Freiheiten. Anders als im Buch ist Jonathan Harker von Anfang auf Reisen, um den Grafen unschädlich zu machen; er kann aber nicht verhindern, dass Blut und Verderben seine Heimatstadt heimsuchen, die von London an einen unbestimmten Ort auf dem europäischen Festland verlegt wurde. In diesem Dracula wird die immer schon implizite Verbindung zwischen Vampirismus und Sexualität überdeutlich inszeniert, ohne dass es je ins explizit Erotische wechselt; aber das braucht es auch nicht. Fishers Inszenierung, die reichlich ausgestatteten Studiosets und die Ernsthaftigkeit der Schauspieler (mit Peter Cushing als großartigem Van Helsing) lassen den Film auch ohne große Effekte wirken, das sehr rote Blut brennt sich in die Netzhaut: Was für ein filmischer Hochgenuss!

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