„Meine Tochter wird im Müllsack reingezogen“ – Ein Interview mit Jessica Lynch

Es ist schon spät, nach der Premiere von Chained auf dem Fantasy Filmfest 2012, einer Q&A-Sitzung und einer ersten Runde Interviews, aber Jessica Lynch wirkt wach – da steckt sicher ein Teil Adrenalin, ein Teil Nikotin und ein Teil Jetlag drin – und lacht, laut und viel. Sie freut sich sehr, wenn man ihr sagt, wie gut und scary man ihren Film fand. Mitten im Gespräch, um Mitternacht, bekommt jemand unter dem Balkon des Berliner CinemaxX ein Geburtstagsständchen gesungen.

Erzählen Sie doch ein wenig vom Drehbuch und wie Sie zu dem Projekt gekommen sind.

Damian O’Donnells Drehbuch hat eine faszinierende Grundidee: Ein Serienmörder, Taxifahrer, ermordet die Mutter eines Jungen und behält den Sohn für zehn Jahre bei sich. Und am Ende stellt sich heraus, dass sein Bruder ihn dazu gebracht hatte, seine Frau zu ermorden, weil er mit einer anderen zusammen sein wollte. Aber das Skript war so exzessiv brutal, das hat mich überrascht. Ich habe die Produzenten gefragt: Warum habt ihr dabei an mich gedacht? – Na, sagten sie, du machst doch Gewalt. – Aber doch nicht so, nicht nur Gewalt! Es macht mich traurig, wenn es das ist, was die Leute glauben. Boxing Helena war ein Märchen, und in Surveillance geht es nicht um Gewalt um ihrer selbst willen, es ist ein Film über gewalttätige, gebrochene Leute, die die Gelegenheit haben, so eine Art Urlaub mit Mordserie zu machen.

Und dann haben sie mich gefragt, was würdest du denn daraus machen? Und ich sagte, naja, ihr habt die Geschichte gekauft, ich würde die Grundidee beibehalten, aber ich würde die Betonung viel mehr auf den Mörder und den Jungen legen, und dann erkunden, was diesem Typen als Kind zugestoßen ist. Im Grunde durfte ich schließlich das Drehbuch komplett umschreiben, und dann war es eher etwas, in das ich mich verbeißen konnte.

Sie haben erwähnt, dass es für sie um die Entstehung eines Monsters geht, also um die Charakterentwicklung des Monsters und des Jungen. Mein Eindruck war, dass sie sich sehr auf die Schauspieler verlassen haben, um diese Entwicklung rüberzubringen – und Vincent d’Onofrio ist wirklich unglaublich. Es ist eine Schande, dass er schon lange nichts so großes mehr gemacht hat.

Oh ja; er wird auch in meinem nächsten Film mitspielen. Er rief mich an und fragte: Warum bin ich nicht in deinem nächsten Film? Und ich sagte: Oh mein Gott, würdest du das machen? Und er sagte: Aber ja, was soll ich spielen? – Er ist einfach so gut.

Ich hasse es, wenn in Filmen zu viel erzählt wird. Es ist ein Film, ich will es sehen, zeigt es mir. – Vielleicht nimmt das Publikum das gar nicht wahr, aber der Name, der auf Bobs Brust tätowiert ist, ist „Joanne“, und im Flashback erfahren wir, dass das der Name seiner Mutter ist. Sie ist die erste Frau, mit der er geschlafen hat. Und ich sagte, Vincent, selbst wenn du das in dieser Szene nur denkst, es wird irgendwo auf deinem Gesicht auftauchen. Und so ist es. Ich habe mich stark auf die Schauspieler verlassen, ich habe ihnen gesagt, erzählt es mir nicht, zeigt es mir, sag es mir mit deinem Gesicht.

Mussten Sie viel mit Vincent d’Onofrio arbeiten, um an diesen Punkt zu kommen?

Er hat es schon nach den ersten Gespräche vollkommen verstanden. Und er hat mir sehr vertraut. Ich habe Vincent manches zugemutet – dann hatte ich eine Idee und sagte, Vincent, wie wäre es hiermit und damit. Und er sagte, Oh weh… Ich mach’s, aber nur einmal. Und ich sagte, Okay, das filme ich (lacht).

Er war sehr großzügig und mutig – das ist ja nicht einfach. Aber ich habe ihm gesagt, ich hab nicht vor, dich albern oder krank aussehen zu lassen, wenn du nackt auf einer Frau liegst, sondern es wird traurig sein. Es wird ein schockierendes Bild, aufgenommen von der Überwachungskamera: Da liegt er, weinend und voll Blut, auf diesem toten Mädchen. Und das ist alles, was wir wissen müssen.

Und er sagte, okay – einmal (lacht). Wir haben eine Menge gelacht. Keine Ahnung, ob wir das gemacht haben, um bei Verstand zu bleiben oder weil wir Spaß hatten. Es macht Spaß, Geschichten zu erzählen, es macht Spaß, Filme zu machen. Und manchmal war es nur witzig, weil wir wussten, das war jetzt wirklich sehr krank (lacht).

Es hat mir übrigens sehr gefallen, dass Sie eine Nanny Cam benutzt haben. Das ist krank.

Oh ja (lacht). Bob würde nicht einfach eine Kamera hinstellen, das sieht man ja die ganze Zeit. Dass die Kamera in einem Herz ist auf einem Teddy, das ist so falsch, dass es schon wieder richtig ist.

Wie war die Zusammenarbeit von Vincent d’Onofrio mit den jungen Schauspielern? Soweit ich weiß, hatten Sie sie vor den Dreharbeiten nicht persönlich getroffen?

Ich hatte sie vorher nur am Computermonitor gesprochen. Und Vincent und ich hatten uns vorher einmal getroffen, als ich Schauspieler für Boxing Helena castete. Er hat sich dann über mich lustig gemacht: Du hast mich damals nicht genommen, wirst du mich jetzt nehmen? – Und ich sagte: Vincent, du bist der einzige, den ich dafür haben will.

Vincent ist so liebenswürdig und großzügig; er ist ja selbst Vater. Er hat mit Evan [dem jüngeren Darsteller von Rabbit] gesprochen: Ich werde dich so und so anfassen, du wirst ganz sicher sein, aber ich werde so tun, als ob ich dich schüttele. Und den Mädchen – wir haben keine Stuntfrauen benutzt, das waren einfach Schauspielerinnen für die kleinen Rollen – hat er gesagt: Ich werde dich so anfassen, ist das in Ordnung? Ich werde furchterregend sein, wenn wir das machen, aber ich möchte, dass du weißt, dass du sicher bist. Sag mir, wenn es zu viel ist.

Mit Eamon, dem älteren Rabbit, kam er wunderbar klar. Ich habe Outtakes, die müssen auf die DVD, das ist unglaublich komisches, wunderbar dunkles Zeug, in dem die beiden zusammen kichern. Vincent ist einer der nettesten Leute, die sie in ihrem ganzen Leben treffen werden, und er ist, verdammt nochmal, super schlau. Wenn du „Action!“ sagst und ihm das Gefühl von Sicherheit gibst, dann wird er machen, worum auch immer du ihn bittest.

Wenn ich ihn jemals für ein Interview treffe, werde ich wahrscheinlich Angst vor ihm haben, weil ich ihn in Ihrem Film gesehen habe.

(Lacht.) Er wird begeistert sein. Er hat zu meiner Tochter gesagt: du schaust mich jetzt ganz anders an, weil du gesehen hast, wie ich all diese Leute umgebracht habe. Und sie antwortete: Nein, nein, nein, ich schaue aber immer so viel Law & Order und denke immer, du bist doch Detective Goren (lacht).

Sie haben Ihren Film tatsächlich Ihrer Tochter gezeigt?

Meine Tochter ist das Mädchen, das im Müllsack reingezogen wird. Sie ist auf jedem meiner Sets. Sie hat sich dran gewöhnt, sie fragt: Bedeckst du mich diesmal von Kopf bis Fuß in Blut? Sie liebt das.

Sie hatten ja Schwierigkeiten mit der MPAA wegen der Einstufung als NC-17.

Ja, ich war begeistert, hier die NC-17-Fassung zu sehen – aber ich glaube, was Sie heute Abend gesehen haben, war höchstens eine „R“-Einstufung wert. Nachdem ich Saw und Hostel und Texas Chainsaw Massacre gesehen hatte, auch Scream, die erscheinen mir diese Einstufung eher zu rechtfertigen. Man kann dann zur MPAA gehen und seinen Film wie in einem Gerichtsverfahren verteidigen. Deren Argument war: Es fühlt sich zu echt an, der Film ist zu erschütternd, kein Kind darf das jemals sehen. – Also, fragte ich, wenn ich es albern und sexualisiert gemacht hätte, dann könnte ich mir den Film mit meiner 16jährigen Tochter ansehen? Aber so kann ich das nicht, wenn ich als verantwortungsvoller Elternteil dazu sage, lass uns nach dem Film darüber sprechen, wie du dich verteidigen kannst? Nein, sagten die, wir finden, Sie haben einen tollen Film gemacht, aber wir glauben nicht, dass Kinder ihn sehen sollten.

Ich glaube, das ist totaler Quatsch. Man sieht sich doch keinen Film an, der einen Trailer wie diesen hat, und erwartet eine Komödie. Wenn ich mit Brad Pitt gearbeitet hätte, hätte ich vielleicht ein PG-13- oder ein R-Rating bekommen, aber weil Vincent wirkt wie dieser Typ, und Eamon und Evan wirklich wie Rabbit erscheinen, weil sie echt wirkende Charaktere in einer wirklich beängstigenden Situation spielen… Wissen Sie, ich habe nicht mit Stars, sondern Schauspielern gearbeitet, und dafür wurden wir bestraft.

In einer Besprechung von Chained vom Fantasia-Festival hat ein Kritiker geschrieben, dass Sie das Publikum, zusammen mit dem Jungen, in ein Stockholm-Syndrom hineinziehen. Und es stimmt ja: Man feuert ihn vielleicht nicht an, aber man fängt doch an, Bob zu mögen.

(Lacht.) Aber macht das nicht gerade Spaß? Denn das kommt unerwartet, und das wollte ich erreichten. Natürlich nicht, um etwas zu rechtfertigen – Bob muss sterben, er ist ein furchtbarer Mann. Aber wenn man ihn versteht, dann begreift man auch, wie wir selbst mit bewirken, dass solche Leute entstehen. Wenn er nur ein Scheißkerl wäre und wir nichts darüber wüssten, wie er so geworden ist, ist er für mich nicht so furchterregend. Du willst versuchen, mit ihm zu verhandeln, aber das kannst du nicht – du hast nichts, was Bob möchte. Er will dich nur umbringen, es geht ihm nur besser, wenn er dir den Hals durchschneidet und dem Jungen damit eine Lektion erteilt.
Das ist auch der Grund dafür, warum es Bob so wichtig ist, Rabbit anzusehen, nachdem er Mary den Hals aufgeschnitten hat, und zu warten, bis Rabbit sagt: Halsschlagader. Denn es ist alles eine Lektion … Außerdem wollte ich eine Frau haben, die selbst da reinkommt, die vielleicht was getrunken hatte, er sammelt sie auf, und sie denkt vielleicht, sie werden Sex haben. Sie ist so aufgekratzt und betrunken und unschuldig, dass sie da einfach hineinspaziert und nicht klar genug ist im Kopf, rechtzeitig zu merken: Das ist schlecht. Arme Mary (lacht).

Arme Mary. Vielen herzlichen Dank.

Interview und Übersetzung: Rochus Wolff

Dieses Interview wurde 2012 geführt und erschien dann zuerst in der Deadline.

Wie Interviews geführt und dann bearbeitet werden

Drüben im Medienspiegel (via) wird gerade eine Diskussion dazu geführt, wie Interviews bzw. Gesprächsrunden mit Promis (in dem konkreten Fall ein Gespräch mit Usain Bolt) zustandekommen, geführt werden und schließlich erscheinen. Meiner Meinung nach schießt Martin Hitz dabei etwas übers Ziel hinaus, wenn man sich die Antwort einer Interviewers in den Kommentaren ansieht.

Wie sieht es denn aber in der Filmbranche aus, in welchen Gesprächssituationen fand ich mich bisher wieder?

Interviews sind immer auf irgendeine Weise Teil des PR-Zirkusses, und in diesem Zirkus sind Vieraugengespräche mit ein wenig Zeit eher selten; ich hatte zum Beispiel mal das Vergnügen, mich ausführlich mit Vincenzo Natali über seinen Film Splice unterhalten zu können (hier auch zum Anhören) – das waren über zwanzig Minuten in konzentrierter Zweisamkeit, und das Gespräch hatte Zeit und Raum sich zu entwickeln. Und für wenige Interviews hat man so ausführlich wie für jenes, das zwei Kollegen und ich in Sitges für die Deadline mit Hauptdarstellerin und Crew von The Woman (meine Kritik) führen konnten – über eine Stunde ging das, schlichtweg großartig.

Aber alle diese ausführlichen Interviews fanden im Rahmen von Festivals statt, auf denen immer wieder Möglichkeiten auftauchen, die sonst nicht bestehen. Denn wesentlich üblicher, gerade fürs Mainstreamkino, ist die „Junket„-Situation, in denen das Interview, das man selbst führt, Teil einer PR-Tour ist und Regisseur_in, Hauptdarsteller_in oder wer auch immer zu Gesprächen bereitsteht von einem Interview zum anderen weitergereicht werden, denn pro Stadt bzw. Land steht gerade mal ein Tag für solche Termine zur Verfügung.

Macht man das mit Video (sowas hier zum Beispiel), bekommt man einen Fünf-, vielleicht Siebenminutenslot – das wird strikt durchgehalten und durchgesetzt, der Tag ist klar getaktet und die Kolleg_innen warten -, und für Print oder renommiertes Online darf man sich fünfzehn bis zwanzig Minuten mit drei bis sieben anderen Journalist_innen an einen Tisch setzen und Fragen stellen.

Da kann es dann kollegial zugehen, man läßt sich gegenseitig das Wort und rundum werden interessante Fragen gestellt (so war es etwa erst Anfang der Woche bei den Tischgesprächen zu Die Wand), oder es wird ein Event voller Schnappatmung. Dann hecheln nämlich alle nach einer Pause im Gespräch, um schnell eine der Fragen loszuwerden, die sie auf ihrem Zettel stehen haben; und wenn man Glück hat, die Gruppe nicht zu groß ist und der Gesprächspartner nicht zu ausschweifend antwortet (obwohl das manchmal die interessantesten Anekdoten und Informationen abwirft), dann bekommt man sogar ein, zwei, ganz selten drei Fragen gestellt.

Aus den nur eigenen Fragen und den Antworten dazu wird natürlich so kein Interview, so wenig wie sich in den sieben Videominuten nur selten ein wirkliches Gespräch ergeben kann. Und deshalb ist es üblich, dass man eben nicht nur das selbst erfragte Material verwendet, sondern das ganze Roundtable-Gespräch zur Grundlage für das Interview nimmt. Das finde ich insbesondere auch dann in Ordnung, wenn die Kolleg_innen am Tisch im Grunde ähnliche Fragen hatten, wie man sie selbst sich auch noch notiert hatte, nicht unbedingt als die drängendsten (die stellt man möglichst selbst), aber furchtbar waren sie auch nicht.

Eine Auswahl treffe ich dennoch. Bei einem Round-Table-Gespräch vor einiger Zeit fragte etwa als allererstes ein Kollege die Schauspielerin, sie werde ja im kommenden Jahr vierzig, ob sie das denn körperlich schon merke? Jetzt mal ganz davon abgesehen, dass man so kein Interview eröffnet, dass die Frage mit ihrer Arbeit als Schauspielerin nichts zu tun hat und dass man das, schlußendlich (bitte mal den Knigge lesen) höflicherweise eine Dame nicht fragt, die zudem mindestens zehn Jahre jünger aussieht als ihre Geburtsurkunde ausweist – so eine Frage kommt mir nicht in Schriftform.

Das Material, das nach Streichung solcher Fragen noch übrig bleibt, wird natürlich noch bearbeitet – die „Ähs“ und Dopplungen im Satz, die Ellipsen und Verhaspler werden natürlich bereinigt, aber gerade für Print können die Änderungen auch etwas ausführlicher sein – wenn der Platz begrenzt ist, wird gekürzt und auch mal der Gesprächsverlauf etwas umstrukturiert, um ein Thema konzentriert zu fassen, das an unterschiedlichen Stellen des Gesprächs auftauchte.

Wird damit etwas vorgetäuscht, was nicht stattgefunden hat? Muss man die Situation in jedem Einzelfall aufklären?

Es ist ja völlig absurd, ein Interview immer präzise so im Text abbilden zu wollen, wie es stattgefunden hat, eine Bearbeitung findet immer statt. Wie weit also haben die Journalist_innen, die das Gespräch führten, das Vertrauen ihres Publikums? Und wie ausführlich sollte darüber informiert werden, welche Gesprächssituation dem Text zugrunde liegt?

Die Störkanal-Edition: Interview mit Nando Rohner

Die Störkanal-Edition von I-On New Media ist eine DVD-Reihe von mittlerweile vierzehn zum Teil sehr aufregenden Filmen, zu denen sich ab heute der hervorragende griechische Streifen Dogtooth/Kynodontas (meine Kurzkritik) hinzugesellt. Zu den bisherigen Highlights gehörten auch schon 5150 Elm’s Way (meine Kritik) aus Kanada sowie der bestürzend intensive südkoreanische Bedevilled (Trailer). Für Ende April ist zudem Red White & Blue angekündigt, den ich nur mit Nachdruck empfehlen kann.

Ich habe Nando Rohner, der für I-On New Media als Pressesprecher und journalistischer Betreuer der Störkanal-Reihe arbeitet, per E-Mail eine Handvoll Fragen zum Projekt gestellt.

Wie ist das Projekt Störkanal-Edition entstanden und welches Konzept steht dahinter?

Nando Rohner: Die Idee zu der Störkanal-Edition kam Michael Kraetzer, seines Zeichens Chef und Initiator von I-On New Media und ANIMAZE, im Jahr 2009.

Die Störkanal-Reihe soll anspruchsvollen, außergewöhnlichen und preisgekrönten Filmen abseits des Mainstreams einen würdigen Rahmen bieten, den solche Filme unserer Meinung nach auch verdienen. Neben unserem bekanntem Themen-Schwerpunkt bestehend aus Horrorfilmen und Filmen aus Asien, hatten wir bei I-On New Media schon immer auch Filme im Angebot, die aufgrund ihrer anspruchsvollen und unkonventionellen Machart nur schwer einem Genre zuzuordnen waren. Mit Störkanal tragen wir diesem Umstand nun Rechnung, weswegen wir uns dazu entschlossen haben, neben vielen exclusiven Titeln, auch ein paar ausgewählte Titel aus der Vergangenheit innerhalb der Störkanal-Reihe nochmals neu aufzulegen. Unserer Meinung nach ist die heutige Filmlandschaft zu stark vom anspruchslosen Mainstream-Kino beherrscht. Die kleineren Filme, die nicht mit einem großen Werbebudget beworben werden, haben es deswegen sehr schwer ihr Publikum zu finden. Dies ist ums so bedauerlicher, weil gerade diese Filme dem Zuschauer oftmals eine besondere Art von Unterhaltung bieten. Sie nehmen den Zuschauer noch ernst, erlauben es sich ihn intellektuell und emotional zu fordern, anstatt ihn nur als seelenlosen Konsumenten zu betrachten. Genau dieser Art von Filmen soll die Störkanal-Reihe ein zu Hause bieten. Dabei war es uns von Anfang an wichtig, dass die Störkanal-Reihe auch mit einem optisch ansprechenden Gesamtkonzept versehen wird. Störkanal soll nicht nur ein Name sein, sondern für den Film-Sammler auch ein Garant auf ein optisch einheitliches Erscheinungsbild darstellen. Alle Filme erscheinen in einem Slim-Digi inkl. einem 12 Seiten dicken Booklet. Zusätzlich sind alle Filme durchnummeriert und verfügen über ein Störkanal-typisches Cover-Motiv, welches in seiner Gestaltung einen hohen Wiedererkennungswert besitzt. Wir von I-On New Media sind im Endeffekt auch nur Filmsammler und haben die Störkanal-Reihe so gestaltet, wie wir sie gerne in unserer Filmsammlung sehen würden.

Wie muss man sich den Entscheidungsprozess vorstellen, welche Filme veröffentlicht werden sollen? Wie sucht Ihr also die Filme aus?

Als langjähriger Label-Chef verfügt Michael Kraetzer über die entsprechenden Kontakte und bekommt auch viele Filme zur Ansicht zugeschickt. Auch ist er stetig auf der Suche nach neuen Filmen, die ins Störkanal-Konzept passen könnten. Wenn er auf einen Film gestoßen ist, der seiner Meinung nach ein Störkanal-Film werden könnte, wird dieser vom Team angesehen und darüber diskutiert, bevor Michael Kraetzer die finale Entscheidung trifft.

Inhaltlich gibt es nur im weitesten Sinne einen Referenz-Parameter, welchem die Filme gerecht werden müssen, um als Störkanal-Film in Betracht gezogen zu werden. Natürlich hat ein reiner Action- oder Horrorfilm, oder auch eine Komödie keine Chance in die Reihe aufgenommen zu werden, aber ansonsten lassen wir uns von irgendwelchen Genre-Grenzen nicht einschränken. Wenn ein Film unserer Meinung nach unbequem ist, zum Nachdenken anregt, in seiner Art den Zuschauer intellektuell anspricht, oder emotional herausfordert, dann hat er eine gute Chance darauf, ein Teil der Reihe zu werden. Neben den inhaltlichen Qualitäten entscheidet natürlich auch die Gesamtumsetzung darüber, ob ein Film ins Störkanal-Konzept passt oder nicht. Billige Dutzendware hat in der Reihe nichts zu suchen. Störkanal repräsentiert für uns Qualität in jeglicher Hinsicht. In diesem Zusammenhang sind wir besonders Stolz darauf, mit Dogtooth einen Film im Programm zu haben, der bei der letzten Oscar-Verleihung für einen Oscar als bester nicht englischsprachiger Film nominiert war.

Wie ist die Resonanz auf die Edition bisher ausgefallen? Immerhin sind die Filme ja alles andere als leichte Kost.

Wir haben bisher nur gute Resonanzen auf die Edition erhalten, sei es von der Presse oder den Kunden. Dies hat uns auch darin bestärkt, die Störkanal-Edition weiterzuführen, da unserer Meinung nach definitiv ein Bedürfnis nach anspruchsvollen Filmen besteht, die entsprechend aufgemacht die heimische Filmsammlung veredeln.

Wie sind Eure bisherigen Erfahrungen in Bezug auf die Freigabe der Filme durch die FSK? Habt Ihr stark schneiden müssen, um Freigaben zu bekommen?

Bis jetzt hatten wir keine nennenswerten Probleme. Es muss aber auch ganz klar gesagt werden, dass kein Störkanal-Film in irgendeiner Form auf reißerische Gewaltdarstellungen setzt. Wenn Gewalt in den Filmen vorkommt, dann resultiert diese stets aus der Geschichte heraus und ist auch psychologisch nachvollziehbar. Viele Störkanal-Filme zeichnen ein Bild der menschlichen Seele oder vom Tun und Handeln von Menschen in Extremsituationen, da gehört auch Gewalt dazu. Die FSK hat in diesem Zusammenhang jedoch ganz klar erkannt, dass die Gewalt innerhalb der Störkanal-Reihe immer in einem entsprechenden Kontext stattfindet und auch nie zum Selbstzweck verkommt.

Zwei Cent zu Filmkritik im Internet

Die freundlichen Menschen von NEGATIV – Magazin für Film und Medienkultur haben anläßlich des ersten „Geburtstags“ ihres Magazins verschiedene Filmkritiker_innen und -publizist_innen zum Thema Filmkritik und Internet befragt – und ich bin beglückt, dafür neben so großartigen Menschen wie Ekkehard Knörer, Steven Shaviro, Lida Bach, Jonathan Rosenbaum und Georg Seeßlen ebenfalls angesprochen worden zu sein.

Aus ganz persönlicher Perspektive also von mir hier ein paar Sätze zur Bedeutung des Internet für die Filmkritik und meine Arbeit als Kritiker.

Ergänzt wird die Reihe übrigens durch Beiträge des Magazins selbst, so von Dennis Vetter zu „Der Autor ist tot. Lang lebe der Diskurs„, und auch Ciprian David macht sich Gedanken zur Filmkritik im Internet.

Und natürlich greift das auf ältere Diskussionen zurück – etwa die Debatte um Josef Schnelles Polemik gegen Filmkritik in Blogs im August 2008 oder die verschiedenen Beiträge zum Symposium „Im Netz der Möglichkeiten – Filmkritik in Zeiten des Internet“ im November des gleichen Jahres (hier der Beitrag von Sascha Keilholz mit Links, hier bei Thomas Groh  ein Überblick über die Diskussionen).

Barbara Hammer berichtet

In this fascinating video interview, she talks about her career as a filmmaker and the development of feminist and queer filmmaking over the last thirty years.

Aus dem Modern Women-Blog (zum Buch) des New Yorker Museum of Modern Art. Mehr zu Barbara Hammer, die vor allem im Bereich des Dokumentarfilm aktiv ist, in der Wikipedia und der IMDB.

(via)

Podcast #003: Ninjafilme

Ninja-CartoonNinjas kennt ja jeder; aber kaum jemand kennt die Filme, mit denen die Ninja-Ikonographie im Westen bekannt und virulent geworden ist, so gut wie Oliver Nöding (aka funkhundd), der in seinem Blog Remember it for later – einer wahren Fundgrube für Besprechungen zum weniger bekannten Action- und Horrorfilm – am vergangenen Wochenende zwei Tage lang (Teil eins, Teil zwei) seine Odyssee durch insgesamt zehn Ninjafilme der 1980er Jahre live und bloggend dokumentiert hat.

Ich habe mich mit Oliver ausführlich über seine Erfahrungen während dieses Selbstversuchs unterhalten – vor allem aber über den Ninjafilm, seine Geschichte, Ikonographie und popkulturelle Bedeutung.

Weil die Aufnahme während eines Skype-Gespräches (mit Powergramo) gemacht wurde, ist die Qualität leider nicht immer besonders gut, und gelegentlich gibt es sogar ein paar sehr unangenehme Störungen. Das wird beim nächsten Mal hoffentlich besser. (Technische Tipps und Vorschläge gerne in die Kommentare!)


Quellen und Links:

Cartoon: © Joscha Sauer; Verwendung hier mit freundlicher Genehmigung des Urhebers. Vielen Dank!

Interview with Vincenzo Natali on ‚Splice‘

During this year’s Festival Internationnal du Film Fantastique de Gérardmer I had the opportunity to talk in some length with Vincenzo Natali, director of films such as Cube, Cypher, and most recently Splice (my different texts about that film are collected here, in German).

It was a very interesting conversation, ranging from nerd culture to posthumanist thoughts – Natali seems to think that genetic modification really is the next logical step in (human) evolution, and his film is as much a warning of its dangers as it is, actually, a celebration of its possibilities.

Before you listen to the interview, be well aware that it is uncut and unedited (you can read the edited and translated German version here at Telepolis) – it does contain some minor spoilers and at least one major one that gives away part of the ending.

[audio:interview_natali.mp3]

(Oh yeah, and sorry about the poor quality of the recording.)