Butt-kicking Babes

Dieser Beitrag gehört zu meiner Berichterstattung über das 16ème L’Étrange Festival in Paris. Der Film war auch auf dem FFF 2010 zu sehen.

(Der Vollständigkeit halber: “Spoiler-Warnung”. Am besten einfach direkt den Film ansehen.)

Wenn man über Four Lions schreibt, ist man versucht, erst einmal politisch korrekt zu betonen, wie unfähig hier auch die nicht-muslimischen, britischen Terrorfahnder und Zivilisten dargestellt werden: Die Polizei stürmt irgendwann auf der Suche nach einer Terrorzelle ein Haus, nimmt aber dort nur eine Gruppe äußerst frommer und friedfertiger Muslime fest, die zwar ihre Frauen in winzige Räume sperren, aber jedenfalls keine Bomben bauen. Und zwei Scharfschützen streiten sich kurz darauf angeregt darüber, ob der von Ihnen frisch Erschossene nun ein Bären- oder ein Wookie-Kostüm trug; daß er auf jeden Fall der Falsche war, ist ihnen offenbar völlig wurscht.

Aber dieser Reflex, den Film in Schutz zu nehmen vor allzu einseitiger Interpretation ist eigentlich verfehlt. Denn man redet damit am Kern des Films vorbei, der im Wesentlichen auf dem Grundsatz beruht, daß jede_r das Recht habe, verarscht zu werden, und somit an jeder Form politischer Korrektheit erst einmal völlig desinteressiert ist. Das heißt nicht, daß Four Lions ein Experiment in planloser Grenz- und Geschmacksverletzung wäre (wie dies zum Beispiel Uwe Boll seinerzeit mit Postal [meine Kritik] angepeilt hatte).

Christopher Morris, der bisher vor allem fürs Fernsehen gearbeitet hat, legt mit seinem Film (das Drehbuch stammt von ihm, Jesse Armstrong und Sam Bain) erst einmal den Finger ziemlich präzise in die Wunden, die die im Westen verbreiteten Vorstellungen vom Islam darstellen – und das heißt für uns weiße Mittelschichteuropäer: unser Denken, der Islam sei weitgehend mit dem militanten Islamismus identisch. Da findet es ein Kollege von Omar (Riz Ahmed) zwar befremdlich, daß einer von Omars Freunden eine Krähe in die Luft gesprengt hat. Er läßt sich dann aber alsbald beruhigen mit dem Argument, das sei eine kulturelle Sache – auf der Hochzeit in Pakistan kürzlich habe man auch einen Vogel Strauß mit einer Bazooka beschossen. Weiterlesen …

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Tony von Gerard Johnson (sein erster Langfilm) hat mich zunächst etwas ratlos zurückgelassen. Der Film ist so zurückgenommen, so schweigsam auch über seinen Protagonisten, von dem man fast nichts erfährt; alles immer hart am Rande zu einem fast dokumentarischen, sozialen Realismus mit Handkamera gefilmt, Tony (Peter Ferdinando) fast immer im Blick in seinem Alltag, seinem ausgesprochen ereignislosen, man ist auch versucht zu sagen: armseligen Dasein.

Die Sprachlosigkeit und Leere des Films spiegelt damit den Protagonisten. Denn Tony, arbeitslos seit offenbar ewigen Zeiten, hat keine Freunde und erhebliche Schwierigkeiten, auch normale oder wenigstens einigermaßen eindeutige soziale Situationen und Transaktionen durchzustehen. Gespräche sind mit ihm kaum möglich, und selbst bei einer Prostituierten wird Tony herausgeworfen, ohne daß er auch nur etwas vorgeschlagen oder getan hätte, das aggressiv gewesen wäre – er war nur hilflos, weil er den geforderten Betrag nicht zahlen konnte und stattdessen so etwas wie (allerdings nur vermeintlich) normale Konversation betreiben wollte, Komplimente machen, derlei.

Stattdessen sitzt Tony viel zuhause und sieht sich Actionfilme an – noch von VHS-Band, nur ein weiteres Zeichen dafür, welche randständige gesellschaftliche Position er besetzt, in seiner kleinen Wohnung irgendwo in einer Londoner Sozialsiedlung. Ab und an zieht er los, versucht von Drogenabhängigen Stoff zu kaufen und bringt sie nach Hause oder schleppt einen Tänzer aus einer Schwulenbar ab. Seine Besucher tötet er dann.

Tony ist ein Serienmörderfilm, der aus den Taten selbst kein großes Gewese macht; die Morde geschehen eher beiläufig, auch ohne dramatische Musikuntermalung oder sonstige Betonung. Sie sind, so ließe sich das womöglich verstehen, Teil von Tonys Alltag, oder gar, so meine Interpretation: seine einzige Möglichkeit, wirklich mit seiner Umwelt in Interaktion zu treten und die gewünschte Reaktion zu erhalten; erst am Schluß, als er sich in die Enge gedrängt fühlt, tötet er auch, um sich (oder genauer: seine Lebensumstände) zu verteidigen – präziser aber nur: um einen möglichen Konflikt aufzulösen. Tony ist damit wie auch in seinem Setting ein Gegenentwurf zu American Psycho, dessen Serienmörder sozial völlig kompatibel und integriert scheint, dessen Morde aber hochgradig sexualisiert sind.

Bei Tony ist genau das nicht der Fall. Einmal sieht man den Protagonisten zwar neben einer anscheinend nackten Leiche im Bett aufwachen, er fragt den Toten, ob er einen Tee möchte; aber die sexualpathologischen Andeutungen, die der Film macht, werden nie ausgespielt oder hochgeschaukelt. Es sind immer nur Männer Tonys Opfer, aber weder daraus noch aus seinen Besuchen in der Schwulenbar läßt sich irgendetwas unmittelbar folgern; den Taten scheint jede sexuelle Komponente ebenso abzugehen wie der Beseitigung der Leichen (denn Tony weiß sehr wohl, daß sein Tun verboten ist).

Gerard Johnson hat hier einen Film gemacht, der sich den Topoi des Genres in vielerlei Hinsicht bedient, seine klassischen Schlüsselreize, Dramaturgien und Vermarktungshighlights zugleich aber links liegen läßt. Ohne große Spannung gleitet die Geschichte dahin, um sich am Schluß fast unbemerkt wieder in den Ausgangszustand zurückzuwenden; das ist ungewöhnlich genug, um eine genauere Analyse durch jemand Berufeneren interessant zu machen. Leider hat Stefan Höltgen, der sicherlich berufen wäre, den Film in seinen FFF-Berichten nicht besprochen. Vielleicht kommt da noch etwas? Ich würde es gerne lesen.

Foto: Fantasy Filmfest

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The Human Centipede (First Sequence) wirkt in seinen ersten zehn, zwanzig Minuten, wenn man den ganzen Film im Blick hat, wie eine Mogelpackung. Denn die Eröffnungssequenz samt der Anfangstitel ist offenbar bewußt im Stil billiger Reißer der siebziger, vielleicht noch achtziger Jahre gehalten, was insofern passt, als der Film selbst kostengünstig digital in HD gedreht wurde und sicherlich als exploitativer Reißer nicht völlig falsch eingestuft ist.

Gleichwohl schreit jede Einstellung der Anfangsminuten lautstark „Trash!“ und „Ironie!“, da ist- alles überzogen und übertrieben, die reglose Mine des natürlich deutschen Bösewichtes, die Geste mit der er sein Gewehr unter dem Trenchcoat verbirgt, seine Sonnenbrille; schließlich die amerikanischen Touristinnen Lindsay und Jenny, clueless in Europe, hysterisch und unerfahren, wie es nur das Klischee hergibt. Die beiden verfahren sich auf der nächtlichen Suche nach einer Disco irgendwo (den deutschen Kennzeichen nach zu urteilen) im Rheinland in einem Birkenwald, und natürlich haben sie dort eine Reifenpanne, aber keine Ahnung, wie man einen Reifen wechselt.

Bis dahin ist ihr Schicksal sehr Rocky Horror Picture Show, aber statt eines wahnsinnigen Frank’N'Furter erwartet sie im Bungalow im Wald der nicht weniger irrsinnige, aber überhaupt nicht komische Doktor Josef Heiter (Dieter Laser, der von Die verlorene Ehre der Katharina Blum bis hierher einen weiten Weg zurückgelegt hat, aber sicher seinen Spaß hatte).

Mit diesem im Namen steckenden offensichtlichen Verweis auf einen der deutschen Erzbösewichter, Josef Mengele, endet der irgendwie ans Ironische gemahnende Teil des Films, und The Human Centipede (First Sequence) begibt sich ins Gebiet des exploitativen Ekeltrashs. Regisseur und Autor Tom Six hat seinen Film mit einer, so ginge die freundliche Formulierung, traditionellen, geradezu klassischen Plotkonstruktion versehen – man könnte es auch „retro“ nennen, oder wahlweise urteilen: Alles irgendwie schon bekannt.

Die Touristinnen landen, gemeinsam mit einem nachträglich gekidnappten Japaner, in Heiters Keller und werden dort einem medizinischen Versuch der abstoßenderen Art unterzogen. Natürlich gibt es Ausbruchversuche, vor und nach der entscheidenden Operation, und natürlich schaut irgendwann die Polizei vorbei, auf der Suche nach verschiedenen vermissten Personen. Das alles ist mehr oder minder gut motiviert und entwickelt, aber selten zwingend. Immerhin verzichtet der Film auf eine irgendwoher herbeigeholte psychologische Erklärung für die geistige Deformation des Bösewichtes; auch ist er, was explizit ekelerregende Darstellungen angeht, eigentlich eher zurückhaltend. Das Widerliche passiert vor allem in unserem eigenen Kopf.

Josef Heiter bleibt dabei zwingend die interessanteste Figur des Films, ein Die Welt lesendes mad scientist-Monstrum, das sich nach getaner Arbeit im dunklen Anzug mit Einstecktuch dandyhaft aufs weiße Sofa bettet. Der amerikanische Filmkritiker Roger Ebert war von The Human Centipede (First Sequence) so irritiert, daß er ihm keine Wertung zu geben wußte. Meine Vermutung wäre, daß Tom Six diesen Film mit dem selben Motiv gemacht hat, das er seiner Hauptfigur geben würde: Weil man das versuchen kann und versuchen muß.

Nämlich – und da verrate ich jetzt das einzig relevante und wirklich eklige Handlungselement, den zentralen gross out des Films, der aber auch im Trailer schon zu sehen und insofern kein Geheimnis ist: Der frühere Spezialist für die chirurgische Trennung siamesischer Zwillinge geht jetzt den umgekehrten Weg und näht seine drei Opfer zusammen, Mund an Anus, zu einem durch den Verdauungstrakt verbundenen menschlichen Tausendfüßler. Warum? Vermutlich eben: Weil er es kann.

Laut IMDB ist Human Centipede II schon für 2011 in Planung. Der Untertitel lautet „Full sequence“ – das verheißt nichts Gutes.

Foto: Fantasy Filmfest

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Bevor dieses Blog jetzt in eine zweiwöchige Sommerpause geht, wollte ich noch kurz meine Empfehlungen, Warnungen und allgemein: Kritiken zu den Filmen des diesjährigen Fantasy Filmfestes (17. August-9. September) zusammenstellen.

Leider ist es mir nicht mehr gelungen, alle Filme zu sehen, die ich vorab hätte sehen wollen und können; da ich selbst nicht auf dem FFF sein werde, wird erst danach wohl noch die eine oder andere Kritik zu Filmen des Festivals hier im Blog auftauchen. Ich gehe hier zunächst nur auf meine eigenen Besprechungen (und also auch meine eigenen Einschätzungen) ein; anderswo finden sich aber auch schon Kritiken zu weiteren Filmen des Filmfests, auf die entsprechenden Seiten verweise ich unten nochmals.

Meine dringenden Empfehlungen fürs Fantasy Filmfest 2010 sind zwei jeweils auf ihre eigene Art durchaus experimentell anmutende Filme, die man genau deshalb unbedingt auf großer Leinwand und mit funktionierender Rundumbeschallung sehen sollte – auch wenn beide sicher nicht den Geschmack jede_r Zuschauer_in treffen, eine ästhetische wie inhaltliche Herausforderung sind sie allemal. Es handelt sich um Amer von Hélène Cattet und Bruno Forzani, eine fulminante Hommage an den Giallo, und Enter The Void, den filmischen Drogentrip von Gaspar Noé.

Sehr sehenswert sind außerdem mit Sicherheit The Disappearance of Alice Creed, ein enorm dichtes Entführungskammerspiel mit Gemma Arterton in der Titelrolle, sowie der äußerst zurückgenommene Vigilante-Thriller Harry Brown mit Michael Caine.

Von den genannten vier Filmen abgesehen habe ich aber noch einige mehr gesichtet und besprochen; sie seien hier noch einmal in alphabetischer Sortierung (nach FFF-Titel) aufgeführt:

• Amer
• Centurion
• The Disappearance of Alice Creed
• Enter The Void
• Ghost Machine
• Harry Brown
• The Pack (La Meute)
• The Reeds
• Reykjavik Whale Watching Massacre
• Solomon Kane
• Stranded (Djinns)
• Timer

Hier außerdem noch ein Nachträge von Anfang September 2010:

• Four Lions (Dringende Empfehlung!)
• The Human Centipede (First Sequence)
• Tony

Auf manchen Seiten finden sich aber auch zu anderen Filmen des Festivals bereits Vorabbesprechungen, und ebenso wird man dort ab dem 17. August sicher viel Lesens- und Hörenswertes finden können. Ich habe bei Twitter eine Liste mit den Menschen begonnen, die vom FFF berichten wollen – für Ergänzungsvorschläge bin ich stets offen.

Ansonsten finden sich Texte zum Fantasy Filmfest natürlich bei den Kolleginnen und Kollegen von critic.de und blairwitch.de; bei F-LM wird wohl wieder gepodcastet, und Frau Flinkwert bloggt (und verrät vorab schon manches) ebenso wie Hartigan (in dessen Archiv sich schon der eine oder andere diesjährige FFF-Film besprochen findet).

Bei f3a schließlich hat wie stets die Community das Wort.

Wen habe ich übersehen, vergessen, nicht genannt? Bitte füllt die Kommentare mit interessanten Links und Hinweisen!

Fotos: Fantasy Filmfest

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Schon allein der Name des Hauptdarstellers ist vermutlich für viele Leute Grund genug, sich diesen Film anzusehen, aber Michael Caine ist nicht nicht das einzig sehenswerte an Harry Brown. Harry (Caine) lebt in einer englischen Sozialsiedlung, mit der es langsam bergab geht. Nach dem Tod seiner Frau bleibt dem Rentner nur noch sein bester Freund Leonard (David Bradley), der sich von einer Jugendgang bedroht fühlt. Als Leonard getötet wird, verzweifelt der hochdekorierte Exsoldat und sinnt schließlich auf Rache.

Der Vergleich mit Gran Torino, den auch das Pressematerial des FFF bemüht, ist natürlich in der Tat nicht von der Hand zu weisen – nicht nur wegen der Ähnlichkeiten der Handlung, der möglicherweise bewußten Anspielung auf Clint Eastwoods “Dirty Harry” im Namen der Hauptfigur und den Parallelen zwischen den Star Personas von Eastwood und Caine, die man konstruieren könnte.

Aber Harry Brown ist ein sehr eigenständiger Film, der sich vordergründig auch für so etwas wie Sozialrealismus und das wirkliche Leben in den fiesen Vorstädten interessiert – samt einer Ermittlung der Polizei, die von Vorgesetzten hintertrieben und abgebrochen wird. Auch diese, und das gehört zu den Stärken des Films, sind nicht böse und nicht einmal besonders arrogant oder ahnungslos – sie haben einfach eine andere Perspektive, aus der sie anderes übersehen als die Beamt_innen (Emily Mortimer, Charlie Creed-Miles) vor Ort.

Es sind solche Unwuchten im Getriebe der staatlichen Systeme, könnte man da meinen, die einen kleinen, betroffenen Rächer wie Harry geradezu zwingend hervorbringen müssen, womöglich gar erforderlich machen. Aber Harry Brown weigert sich beharrlich, daraus Heroismus oder auch nur: eine Lösung zu konstruieren. Viel mehr interessiert er sich für seine Hauptfigur – für Harrys Verzweiflung, seine rasch wiedergefundene Routine im Töten (die ihrerseits im Film nur en passant thematisierte politische und historische Bedeutungsebenen mitbringt) und das Schillern von Harrys Entscheidungen zwischen der Ausweglosigkeit und der Alternativlosigkeit von Gewalt.

In Harry Brown geht es nicht um wer oder was oder ob, das Wie ist entscheidend. Regisseur Daniel Barber paßt seinen Film dem Tempo der Hauptfigur an, alles geht geradezu gemählich, mit manchmal schleppendem Atem vorwärts (und ist doch keine Minute langweilig). Einzig die Entscheidung Harrys, doch wieder zu Gewalt zu greifen, obwohl er ihr vor langer Zeit abgeschworen hatte, scheint zu schnell zu fallen – ansonsten gelingt es Caine, seine Figur mit Zögern, Verzweiflung und Entschlossenheit zu füllen, bis hin zum blutigen Ende.

Foto: Fantasy Filmfest

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Ich finde es an sich ja immer schön, wenn ein Horrorfilm seinen Handlungsort nicht nur für Effekte zu nutzen, sondern in die Dramaturgie zu integrieren weiß; wenn dieser also entweder bedeutungstragend wird wie die Wüste in Djinns aka Stranded (Kritik folgt) oder aber seine spezielle Ausformung für die Entwicklung der Handlung wichtig wird.

In dieser Hinsicht macht The Reeds anfangs durchaus Hoffnung; denn die britischen Twens um Laura (Anna Brewster, die hier einer jüngeren Milla Jovovich manchmal sehr ähnlich sieht), die sich für ein schönes Wochenende (natürlich ohne sich mit Navigation oder Schifffahrt oder dergleichen irgendwie auszukennen) in eine Schilflandschaft aufmachen, gehen zwischendurch ganz gehörig in der gleichförmig wogenden Ebene verloren. Zuerst gemeinsam, dann mehr und mehr einzeln, von der Hybris getragen, man werde den Weg zurück schon finden.

Leider fällt dem Film darüber hinaus nichts so richtig Aufregendes ein. Am Anfang stapeln sich die dräuenden Andeutungen, sind da seltsam schweigsame Jugendliche, die offenbar blutige Rituale durchführen, stapft ein finsterer und tief verhüllter Jäger durchs Schilf – dann explodiert die Story sehr schnell in Wahnvorstellungen, Visionen und Katastrophen, bei denen der Plumpsack schwerster Verletzungen nacheinander bei allen Protagonisten mal landet. Kaum ist einer verstorben, hat schon der Nächste eine tiefe Bauchwunde.

Gerade wenn man denkt, jetzt sei aber Zeit für ein großes Finale, hat der Film allenfalls mal 40 Minuten hinter sich gebracht; dann ziehen sich die nächsten zwanzig Minuten etwas leer hin wie geschmacksfrei gewordenes Kaugummi, bevor der Film in ruhigere Wasser umschwenkt, in denen er versucht, Sinn in das vorher Gesehene hineinzuerklären. Da wirkt also der Spannungsbogen etwas ausgeleiert, und nachdem die Geschichte eine recht bemühte und nicht besonders originelle Aufklärung gefunden hat, gibt es noch eine abschließende Pointe, wie sie fürs aktuelle Horrorkino derzeit nur zu gewöhnlich ist.

Foto: Fantasy Filmfest

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Freunde des Genrekinos halten für gewöhnlich große Stücke auf Neil Marshall – den entsprechenden Ruf hat er sich mit Dog Soldiers und The Descent erarbeitet; Doomsday (meine Kritik), ein Trashfest der Splattermusik, war vielleicht zu unernst und zu sehr am Geschmack größerer Massen orientiert. Mit seinem neuen Film Centurion bleibt Marshall zwar in Schottland, nimmt sich aber eines historischen Stoffes an: Dem angeblichen Verschwinden der Neunten Römischen Legion in Britannien.

Quintus Dias (Michael Fassbender), Hauptmann (also Centurio) der römischen Armee, wird von dem britannischen Stamm der Pikten gefangen genommen, nachdem diese das Lager seiner Truppen zerstört hatten; er kann mit Glück fliehen und stößt zur Neunten Legion unter General Titus Flavius Virilus (Dominic West), die gerade den Auftrag bekommen hat, den König der Pikten (Ulrich Thomsen) gefangen zu nehmen. Quintus zieht mit, aber in einem Hinterhalt wird der General gefangen genommen und die Soldaten hingemetzelt – nur der Centurio und sechs weitere Männer überleben.

Quintus und seine Leute versuchen nun zunächst, den General zu befreien, und schlagen sich dann „behind enemy lines“, wie es recht modern im Film heißt, durch die Wildnis, um wieder römisch besetzten Boden unter die Füße zu kriegen. Dabei geht es recht malerisch durch nebelverhangene Wald- und Berglandschaften, während die Jäger immer dichter aufschließen und die Gejagten dezimieren.

Auch wenn Centurion nicht so brutal wie etwa Doomsday ist, so fliegt hier doch deutlich mehr Blut und Gehirnmasse durch die Gegend, werden Köpfe öfter gespalten und abgeschlagen, als dies sonst im Sandalenfilm üblich ist. Marshall könnte seine Geschichte freilich genauso gut in jeder anderen Epoche und in jedem anderen Kontext ansiedeln – die Neunte Legion bietet eine vermutlich willkommene historische Vorlage (die Kevin Macdonald gerade ebenfalls für The Eagle genutzt hat), doch könnte man sich diesen Quintus Dias auch in einem Krieg des 20. Jahrhunderts vorstellen.

Der politische Hintergrund, der die Handlung in Bewegung setzt, wird hier auf sein Minimum reduziert – natürlich Intrigen und Interessen, die mit den Soldaten wenig zu tun haben –, aber das bedeutet auch, dass Marshall auf jede Form von Pathos verzichtet. So wird das Kämpfen und Sterben nicht durch Schlachtenmusik und Streicher dramatisiert, Centurion ist purer Überlebenskampf, Blut, Rache, Schnee und Schlamm. Gut und Böse sind auf beiden Seiten der kriegerischen Auseinandersetzung zu finden, und dass der Film sich nun ausgerechnet den römischen Centurio und nicht etwa König Gorlacon als zentrale Figur aussucht, wirkt einigermaßen beliebig.

Für eine Weile macht es noch den Eindruck, als ginge es Marshall hier um das dreckige Kriegshandwerk an sich, aber er interessiert sich nicht wirklich für seine Figuren, für die Verheerungen, die das Morden in ihnen anrichtet. Folgerichtig ist auch die Frau, die Quintus dann schließlich von den Qualen des Kriegerdaseins befreien wird, eine Leerstelle, die nur durch ihre dramaturgische Funktion gefüllt wird. (Und dabei bleibt nur deshalb kein ausschließlich grässlich fades Geschlechterbild zurück, weil gleichzeitig Olga Kurylenko als rachedurstige Pikt-Kämpferin Etain recht wirkungsvoll die Klingen schwingt. „Her soul is an empty vessel. Only Roman blood can fill it.“)

Centurion wirkt vor allem wie ein düsterer Gegenentwurf zu all den beschönigenden Schlachtengemälden, die im Mainstreamkino der letzten Jahre zu sehen waren. Da wandern die Protagonisten über Hügel wie aus der Lord of the Rings-Trilogie – nur sind die Berge hier nicht grün, sondern immerzu schneegrau und verregnet. Die Pikten malen sich blaue Streifen ins Gesicht wie Mel Gibson in Braveheart und kämpfen für ihre Freiheit – aber dann morden sie mit rücksichtsloser Grausamkeit.

Nicht einmal im Traum wogen hier Ährenfelder wie in Gladiator, als dessen schwarzer Bruder Marshalls Film oft erscheint – Quintus ist auch noch ausgerechnet Sohn eines Gladiators. Das Morden, das selbst bei Ridley Scott relativ blutarm daherkommt, wird hier an die Grenze zum Splatterfilm herangeführt. Was Marshall allerdings nicht gelingt ist ein Blick über den unmittelbaren Moment der Schlachten hinaus. Krieg ist furchtbar, ja; doch der Rückzug des Protagonisten an einen heimischen Herd wirkt nur wie die naheliegendste Lösung, nicht schlüssig oder durchdacht. Das Idyll ist schon verlogen, bevor es nur begonnen hat.

Dafür ist man Centurion dann aber doch dankbar: Dass er nicht in seinen letzten Momenten noch rührselig wird.

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“Is this another potential?”

Mit Ende Zwanzig ist Oona (Emma Caulfield), die sich aus völlig unerfindlichen Gründen nicht dauernd mit ihren Eltern darüber streitet, wie sie auf ihren seltsamen Vornamen verfallen konnten, romantisch etwas verklemmt. Sie mag sich auf keine Beziehung einlassen, die nicht sicher die Richtige, Vermutlich Mit Vielen Großbuchstaben Zu Schreibende, Glücklich Machende ist. Wäre in unserer Welt eine solche Sicherheit unmöglich zu erreichen, so ist dies in der Welt von Timer, die ansonsten der unseren so sehr entspricht, für eine Handvoll Dollar möglich: Man läßt sich einfach den titelgebenden “Timer” ins Handgelenk stanzen, und schon blinkt und klingelt das Gerät, sobald Mr. und Ms. Right sich begegnen – falls beide einen “Timer” haben. Vorher zählt das Gerät langsam die Tage und Stunden bis zum Treffen herunter; wenn aber der Seelenpartner noch keinen “Timer” hat, blinkt die Zeitanzeige (so bei Oona) leer vor sich hin.

Timer denkt also, und das ist eine wirklich originelle Idee, konsequent weiter, was die mobilen Anwendungen von Social Networks heute schon probieren – und verbindet das mit einem Glücksversprechen, das in der Filmlogik von niemandem angezweifelt wird: Selbst wenn man nicht wisse, wie es funktioniere, daß es funktioniere, sei nicht zu bezweifeln. Die gleichen Ausschlußmechanismen, die sich in unserer Gegenwart verfolgen lassen – zuerst war seltsam, wer ein Handy hatte, jetzt wirken die Menschen altertümlich, die keines besitzen; und liest dies hier jemand ohne Facebook-Account? -, werden in Timer auch in Bezug auf das namensgebende Gadget wirksam. Wer keines hat, ist alt, hoffnungslos out oder kommt halt vom Land.

Aus diesem Setup generiert Regisseur und Autor Jac Schaeffer einen Film, der verschiedene soziale und psychologische Folgen des “Timer” anhand unterschiedlicher Figuren durchdekliniert – Oona ist auf der verzweifelten Suche nach dem Richtigen (und bringt immer wieder Männer dazu, sich einen “Timer” geben zu lassen), während ihre Schwester Steph sich durch die Männerwelt schläft, weil es noch ewig hin ist bis zum Datum, das ihr “Timer” zeigt. Natürlich treten dann mit Mikey und Dan Männer in das Leben der Schwestern, die diese Verhaltensweisen kräftig durcheinanderwirbeln und die Hoffnung ihrer Mutter Lügen straft, daß man sich mit dem “Timer” Herzschmerz, Trennungen und Geschlechtskrankheiten sparen könnte.

Da ist dann reichlich Platz und Gelegenheit für Situationskomik, hintergründigeren Humor und Momente intensiven Fremdschämens; Timer unterhält durchaus vortrefflich. Von den Figuren ist man gleichwohl nicht so richtig mitgerissen, dafür geraten sie doch zu eindimensional; allein Michelle Borth kann ihrer Steph mit Bösartigkeiten und Zynismen noch mehr Lebendigkeit einhauchen.

Und auch wenn der Film dann doch irgendwann die grundsätzlicheren Fragen berührt – was also Liebe eigentlich sei, und was davon übrig bleibe, wenn man allein auf den “Timer” vertraue, so geht er vielleicht doch nicht weit genug, ist nicht wirklich radikal genug, als daß man das Kino mit ein paar Widerhaken im Gehirn verließe. Die Geschlechterrollen sind, für einen das Genre der Romantischen Komödie zumindest mitstreifenden Film durchaus ungewöhnlich, nicht gänzlich konventionell: Hier sind die Frauen tough und professionell, und dafür die Männer sehr gefühlsbetont. Gleichwohl rutscht dadurch etwa die Figur Oona schnell in ein neues Stereotyp (auf das im Mainstreamkino derzeit Katherine Heigl abonniert ist), nämlich die überkontrollierte, eher verklemmte berufstätige Singlefrau.

Vielleicht ist Timer ein Film, dem ein Schuß Queer Cinema – in Geschlechterfragen, Liebesdingen und radikalerer Zugangsweise – gut getan hätte. So ist er aber immer noch eine nette Komödie mit einer sehr, sehr guten Grundidee.

Außer auf dem Fantasy Filmfest ist Timer auch in der Ersten „komischen Filmnacht“ des International Comedy Film Festival zu sehen: Am 1. September 2010 um 20.30 Uhr im Filmtheater am Friedrichshain (Bötzowstraße 1, 10407 Berlin).

Foto: Fantasy Filmfest

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So ganz persönlich bin ich ja etwas gesättigt von männlichen Rächerfiguren und/oder Kämpfern, die durch verschneite, schlammige Landschaften mit Krüppelbäumen reiten, rennen oder kriechen, da gibt es in letzter Zeit eine gewisse Häufung mit Jonah Hex, Valhalla Rising oder Centurion. Und eben auch Solomon Kane, einem Film, der – so man der Wikipedia glauben mag – die Herkunftsgeschichte erzählen möchte zu einer Figur, die die Welt in den 1920er Jahren in einer guten Handvoll Pulpgeschichten betrat.

Robert E. Howard ist vermutlich heute den wenigsten Menschen ein Begriff, aber neben der Figur Solomon Kane entstammt seinem Hirn auch Conan, der den popkulturellen Bildungskanon natürlich in der Gestalt von Arnold Schwarzenegger bewohnt. Kane läuft nicht halbnackt herum, sondern sehr angezogen in einem sehr feuchten England des frühen 17. Jahrhunderts. Hier spielt ihn James Purefoy; in Howards Geschichten ist er der Kämpfer fürs Gute und Seelenheil, im Film muß das erst einmal hergeleitet werden.

Kane ist Freibeuter, fröhlicher Mörder und Krieger, als ihm die Begegnung mit einem Dämon deutlich macht, daß nur völlige Friedfertigkeit seine Seele noch vor dem Teufel zu retten vermag. Er zieht sich in ein Kloster zurück, wird dort aber weggeschickt, weil sein Schicksal, so ist es einem Priester im Traum erschienen, wohl anderswo sich erfüllen werde. Dann stößt er auf eine gläubige puritanische Familie, die in die Neue Welt auswandern will, aber kaum fühlt er sich bei ihnen aufgenommen, werden bis auf Mutter und Tochter (blond, vague romantic interest) alle von den Schergen des Schwarzen Magiers Malachi ermordet. Deren Anführer, ein geheimnisvoller Mann mit Maske, entführt die blonde Meredith (Rachel Hurd-Wood), Kane schwört, sie zu befreien, nachdem ihr Vater ihm die Rettung seiner Seele dafür in Aussicht stellt, und so nehmen die Dinge ihren Lauf.

Und weil eine solche Originstory noch eine Originstory braucht, erfahren wir in Traumrückblicken noch, daß Kane Sohn eines Fürsten aus dieser Gegend in England ist, der den väterlichen Hof verließ und den bösen älteren Bruder versehentlich von einer Klippe schmiß, als dieser versuchte, ein Mädchen zu vergewaltigen.

Es bedarf nur geringer Phantasie, um zu erraten, um wen es sich bei dem Mann mit der Maske handeln könnte.

Solomon Kane ist ein schwer stimmungsvoller Film, bei dem reichlich Schwerter gewetzt und genutzt werden, Blut fliegt schwarz gegen Kameraobjektive, und die Schwermut wird nur mühsam von ein paar brennenden Fackeln im Zaum gehalten. Leider ist das alles weder inhaltlich besonders originell noch aufregend inszeniert: Man sieht das beherrschte Handwerk, man langweilt sich nicht, aber man vergißt das alles anschließend auch wieder recht bald.

An den Stellen, an denen es interessant werden könnte, weicht der Film dann auch ganz schnell aus: Vage angedeutete Konflikte zwischen “heidnischer” Magie und christlichem Glauben etwa sind Gegenstand kurzer Wortwechsel, aber keiner näheren Betrachtung. Mit Dämonen, schwarzer Magie und dem Teufel wird gleichwohl reichlich hantiert, und der Film wird spätestens dann religiös unangenehm, wenn er Kane, der einmal mit Schwert zu Füßen eines ebenso bewaffneten streitbaren Engels (aus Stein, auf einem Friedhof) niederkniet, mehr und mehr zur Christusfigur mit Schwert stilisiert.

Einmal wird er richtig gekreuzigt (ein zweites Mal, am Schluß, bleibt immerhin noch die Pose), und danach bleiben ihm die Wundmale in den Händen. Sollte es die wohl ursprünglich geplanten zwei Fortsetzungen geben, fürchte ich, daß sie auch noch zu bluten beginnen werden.

Foto: Fantasy Filmfest

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Ach ja, die Rachegeister. Aus dem asiatischen Kino kennt man sie ja inzwischen auch ohne großes Spezialwissen hierzulande recht gut, dank The Grudge (meine Kritik) samt Fortsetzungen und Derivaten, die knarzenden jungen Frauen mit der leicht gebeugten Körperhaltung und den langen schwarzen Haaren… diese Filme schwingen nach in der Geisterscheinung von Ghost Machine, in der ein böser Geist sich in einem Computer einnistet.

Das wäre an sich noch nicht einmal besonders originell, denn schon in den Ringu-Streifen oder One Missed Call (meine Kritik) bedienen sich die Geister moderner Technik zur Fortschreibung der eigenen Existenz. Hier ist der Fall freilich etwas komplizierter bzw. der digitalen Bildproduktion enger angepaßt, denn der Geist lädt sich hier (Logik und Naturgesetze sind im Geisterkino eh’ schon egal) in ein AI-Programm hoch, das das britische Militär als Kampfsimulator erstellt hat – über direkt das Gehirn ansprechende Helme werden die Soldaten virtuell, aber hochrealistisch in eine Kampfsituation verlegt, die von dem AI-System simuliert und angepaßt wird.

Dieses System leihen sich ein paar junge Soldaten aus, um damit in einem stillgelegten Gefängnis zusammen mit zwei Freunden Kriegsspielchen zu spielen, aber dummerweise lauert eben genau dort ein nach Rache dürstender Geist, der dann den jungen Leuten im Spiel wie in der Realität an den Kragen will.

Regisseur Chris Hartwill packt (nach einem Drehbuch von Sven Hughes und Malachi Smyth – für alle drei ist es das Langfilmdebüt) noch die Geschichte um eine junge Soldatin (Rachael Taylor) mit oben drauf, die gerne als gleichwertige Kämpferin anerkennt werden will, aber mit den (auch sexualisierten) Schikanen ihres Vorgesetzten zu kämpfen hat, und unter dem ganzen Gerüst lauert eine Post-9/11-Foltergeschichte samt Geheimverliesen und Waterboarding.

Aber natürlich ist das alles Oberfläche. In Ghost Machine geht es weder um Politik, Folter oder Gleichberechtigung, noch geht es wirklich um okkultes Gedankengut – das sind einigermaßen gekonnt verwobene Vorwände, um CGI-Blut gegen Wände spritzen zu lassen, Köpfe und Augäpfel von ihren Plätzen zu entfernen und schließlich auch virtuelle Wände verschwinden und entstehen zu lassen. Allein in letzterem Fall allerdings paßt der Pixellook, den Ghost Machine mitbringt, auch thematisch wirklich dazu.

Neben den zweitklassigen Effekten sieht man natürlich auch an den Schauplätzen, das der Film mit eher begrenztem Budget entstanden ist. Verlassene Gefängnisse sieht man sonst eher in Abgründen wie Shadow: Dead Riot, aber ganz so schlecht ist Ghost Machine dann auch wieder nicht.

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