and other film stuff that I care (to write or talk) about
Man-Doh! Eine nicht ganz quellentreue Version der Genesis-Geschichte von Katie Wendt; nicht ganz so hintersinnig wie die Jean Effels Heitere Schöpfungsgeschichte für fröhliche Erdenbürger (Amazon-Link), dafür in der religiösen Perspektive etwas freier.
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Im Großen und Ganzen hat mir Dreamworks‘ Megamind nicht so besonders gut gefallen: Zu überdreht ist der Film, stets damit beschäftigt, seinen eigenen Unernst vor sich herzutragen, anstatt ihn einfach mal umzusetzen… das wirkt getrieben und bemüht. Der Slapstick ist zerstörungsreich, aber insgesamt doch eher konventionell und jedenfalls nicht transgressiv; die Möglichkeiten der Körpermodulation, die dem computeranimierten Film zu eigen sind, wird nur in der Körperkonfiguration wirklich genutzt, reicht aber nie zur Destruktion des Status Quo hin.
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Dabei gibt es so schöne Ansätze: des Bösewichts Sidekick, der einfach nur „Minion“ genannt wird, ist ein sarkastischer Fisch im Roboteranzug, Megamind selbst (dessen Hirn lange nicht so leistungsstark ist, wie er selbst es wünschte), tanzt und inszeniert sich gern in schwarzen Latexkostümen – wie überhaupt das Gehabe der männlichen Hauptfiguren, da gibt es einiges zu entdecken, traditionelle Männlichkeitsbildern ohne großes Federlesen zu Staub zertrümmert. Das gilt für Megamind selbst, aber auch für seinen Antagonisten Metro Man, den guten Superhelden, den die Stadt Metro City (von Megamind zu meiner großen Freude konsequent wie „atrocity“ ausgesprochen) verehrt.
Dazu paßt auch die schließlich auf die Probe gestellte Bromance zwischen Megamind und Minion, aber wie um nicht zu viel Queerness in den Film zu bringen, bekommt Megamind mit der Reporterin Roxanne natürlich ein klar weibliches romantic interest an die Seite gestellt. Die wird zwar mit viel Aufwand als selbstbewußt, ironisch und distanziert eingeführt, bleibt dann aber irritierend unterentwickelt, ohne freilich auf den Status einer rein funktionalen Figur zu schrumpfen.
Wahrscheinlich ist es letztlich die anfangs konstituierte klare Gegenüberstellung zwischen Gut und Böse, die den Film so mühsam wirken läßt (Böse gegen Böse à la Despicable Me scheint effektiver) – denn natürlich muß sie aufgebrochen werden, weil man dem bezaubernden Megaman den Bösewicht nicht so recht abnehmen kann (großartig seine Frustration, als er feststellt, daß es langweilig ist, böse und allmächtig zu sein). Daß der Film diesen Dualismus erst mühsam abreißt, um ihn dann wieder zu errichten, ohne den inhärenten Widerspruch darin wirklich zu lösen, ist ein bißchen schade.
Foto: Paramount
Bezaubernder kleiner Film (mit etwas vorhersehbarem Twist) von Josh Beattie und Shuwei Zhang („Ennui Pictures“). Der Film hat auch eine Facebook-Fanpage.
(via)
Wounded hatte in Deutschland schon viele Namen – er war als Wounded – Beute eines Psychopathen (Amazon-Link) oder Wounded – Eine Spur zu weit zu sehen, die IMDb verzeichnet darüber hinaus auch noch Die einzige Zeugin, Frei zum Abschuß und Zum Abschuss freigegeben als deutsche Alternativtitel. Jetzt hat Atlas Film Home Entertainment den Film als Wild Prey noch einmal veröffentlicht, in einer anscheinend ungekürzten Fassung.
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Immer wieder hat man allerdings den Eindruck, als seien die schlimmsten Blutigkeiten entfernt worden – es geht um einen Wilderer (Adrian Pasdar), der Braunbären und andere geschützte Fauna im Akkord umbringt und Menschen gegenüber nicht eben zimperlicher ist. Wildhüterin Julie (Mädchen Amick, im Bett wie auf der Wildererjagd stets vortrefflich geschminkt) ist bei einem vom FBI initiierten Einsatz gegen den Mann dabei und überlebt als einzige – eher zufällig, weil sie dank eines bisher nicht entdeckten Situs inversus das Herz auf der rechten Seite hat. (Das ist übrigens so ein Motiv, das gerne mal als deux ex medicina bemüht wird, aber m.W. allein schon deshalb Quatsch, weil ein Situs inversus den Symptomen nach zu urteilen früh entdeckt werden dürfte.)
Der Wilderer macht einen auf Vietnam-Psychopath, samt Stolperfallen, angespitzten Holzpfählen und Rambo-Messer, er macht auch vor seinen eigenen Auftraggebern nicht halt, wenn die ihm blöd kommen: Er ist also ein rechter Fiesling, und das versteht man auch schon bald. Man versteht freilich nie so recht, warum, aber das ging mir mit allen Figuren so: Charakterzeichnung ist die Stärke von Wounded nicht, noch ist eine solche in der Inszenierung oder der Dramaturgie zu finden. Es gibt eher absurde (und wie nur angerissen wirkende) Trainings- und Vorbereitungsmontagen, der Zeitverlauf verschiedener Handlungsebenen paßt hinten und vorne nicht zusammen, und der depressive Cop (Graham Greene), der Julie zur Seite steht, bleibt leider auch völlig unterentwickelt. Ach, der Film strotzt nur so vor verschenktem Potenzial.
Das gilt vor allem für das sehr kurze und ziemlich enttäuschende Finale, aus dem sich nicht nur leicht mehr Spannung hätte herauskitzeln lassen, sondern daß vor allem in Sachen Identität und Geschlecht noch viel Dehnungsspielraum gelassen hätte. Da gleicht sich nämlich Julie in Kleidung, Habitus, Bewaffnung und Gesichtsbemalung ihrem Antagonisten an, legt in der Wildhüterhütte Feuer und geht allein in den Wald, mit dem Ziel zu töten. Mädchen Amick hier ganz hinter ihrer Tarnung und ihren Waffen verschwinden zu lassen… ach, aber dem Film fehlt der Mut zu großen Schritten.
Foto: Atlas Film Home Entertainment
Böse, böse Clowns. Etwas manisch überdrehter Film von Andreas Nilsson, Drehbuch: Andreas Nilsson und Jeff Tetreault.
(via)
Lesens- und Sehenswertes aus den vergangenen Tagen (25. November 2010 bis 16. Dezember 2010):
In den frühen Morgenstunden kommen die Aliens. Erst leuchten Sie mit blauem Licht in die Fenster hinein, durch die Straßen, man kann den Blick nicht mehr davon lösen – und wer nicht gelöst wird, den zieht es anschließend hinein in die großen Schiffe, die über der Stadt schweben; wie Wollflusen zum Staubsauger fliegen die Menschen zu Hunderten hinauf und verschwinden.
Das sind die großen Szenen in Skyline der „Brothers“ Greg und Colin Strause, diese Tableaus der drohenden Zerstörung, wenn kleine Menschenfiguren aufsteigen aus einer schon versehrten amerikanischen Wolkenkratzerstadt; und wäre nicht dieses kalte Blau, man könnte fast sogar ein bißchen Hoffnung es sei Himmelfahrt und Erlösung. Gibt es eigentlich eine Farbgeschichte des Science-Fiction-Films? Wann welches Lichtschwert grün, rot oder blau war, aus wessen Augenschlitzen es gelb oder weiß schimmerte?
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Das ist hier keine Trivialität, denn das eigentliche Pfund des Films sind seine Spezialeffekte, die, wenn man so will, Heimatkompetenz der Regisseure, die sich darin zum Beispiel in 2012 (meine Kritik) oder Avatar bewiesen haben und deren Künste man etwa im Trailer zu Battle: Los Angeles wieder sehen kann. Und auch wenn man nach Alien vs Predator: Requiem (meine Kritik) die Hoffnung haben konnte, die beiden Brüder könnten vielleicht wirklich ordentliche Regisseure werden, so werden diese Gemütsregungen mit Skyline aufs deutlichste zerklopft.
Natürlich liegt es auch am jämmerlichen Skript von Joshua Cordes und Liam O’Donnell, das dieser Film kalt läßt, und an den die jämmerlich uninteressanten Figuren (zweibeinige Stereotype mit jeweils einem einzelnen markierenden Charakteristikum, scheint’s) mit noch mehr Leblosigkeit ausstattenden Schauspieler_innen. Aber die Strauses füllen dann dieses blutleere Monstrum eben auch nur mit altbackenen Inszenierungstechniken und mit dem üblichen Effektgesumse des technokratisch ambitionierten Alien-Invasions-Actionfilms à la Transformers & Cie.
Da tritt dann mal ein außerirdischer mechanoider Godzilla auf den Lamborghini – oder war es ein Ferrari? – einer bis eben noch wichtigen Figur, die Aufnahmegeschwindigkeit wechselt zwischen Timelapse und Zeitlupe, und wen das noch nicht hinreichend irritiert hat, der bekommt genau dann eine große Totale der zerstörten Stadt zu sehen, wenn er sich an die fast an Cloverfield (meine Kritik) erinnernde Dichte gewöhnt hat, die der Film eine Zeitlang zu seinen Figuren einhielt, und die er auch in der Erzählperspektive konsequent durchzieht.
Das ist denn auch das Einzige, was man dem Film wirklich, wirklich gutschreiben muß: Daß er den Einfall der Außerirdischen, ihr seltsames Licht und ihre Gründe konsequent unerklärt läßt, darin die Perspektive der Protagonist_innen wahrend, und so bis zum Schluß ein Mysterium behält – das allerdings nur ein großes, kugeliges Nichts im Innersten des Films übertüncht. Gegen diese Leere saugt Skyline dem Publikum wortwörtlich das Gehirn aus. Warten Sie’s ab, kurz vor Schluß bekommt man das genau zu sehen, und dann macht der Film eine Wendung, die logisch klänge, wenn den Figuren vorher Leben eingehaucht und nicht nur aufbehauptet worden wäre.
Foto: Centralfilm
Wow. Das geht gerade durch die Blogs und über Twitter, aber wenn Ihr es noch nicht gesehen habt, schaut es Euch an: Youtube-Nutzerin genrocks aka Gen I. hat das Filmjahr 2010 (mit deutlich angloamerikanischer Schlagseite) zu aufregenden sechs Minuten verdichtet. Großartig und witzig geschnitten und montiert. Chapeau!
(Die Liste der Filme ist hier.)
Drei DVDs des Films gibt es bis kommenden Samstag noch hier zu gewinnen.
Wenn es keine Millionäre gäbe, müßten sie erfunden werden. die Menschheit braucht sie. als Steuerzahler, als Wirtschaftskapitäne … und als Lustspielfiguren.
Mit diesen Worten beginnt Drei Männer im Schnee, eine Verfilmung der gleichnamigen Erzählung von Erich Kästner (Amazon-Link) aus dem Jahr 1955, und der Geist eines großväterlich-wohltätigen Kapitalismus (und ironischen Verhältnisses zum eigenen filmischen Tun), der aus ihnen spricht, zieht sich denn auch durch den ganzen Film.
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Ein Multimillionär, der sich wenig für die Details der Geschäftsführung seines Unternehmens interessiert, hat inkognito an einem Preisausschreiben seines eigenen Unternehmens teilgenommen und einige Tage in einem Luxushotel in den Bergen gewonnen. Dieser Eduard Schlüter (Paul Dahlke) ist ein ganz bodenständig gebliebener Mann, dem es ein wenig auf die Nerven geht, daß sich alle so sehr um sein Wohlergehen bemühen, und er möchte gerne mal schauen, wie ihn die Menschen behandeln, wenn er als armer Tropf daherkommt. Vor Ort trifft er, als Eduard Schulze, den anderen Gewinner, den jungen Dr. Fritz Hagedorn (Claus Biederstaedt) – der ist ein grundsympathischer Mensch natürlich, leider arbeitslos und erst vor kurzem mit seiner Bewerbung bei den Schlüter-Werken gescheitert. Da Schlüters Tochter das Hotel über die Ankunft ihres Vaters informiert hat, hält man dort versehentlich Hagedorn für den Millionär und behandelt ihn mit übertriebener Aufmerksamkeit, während Schlüter/Schulze selbst in einer unbeheizten Dachkammer untergebracht wird, da man den ärmlich gekleideten Mann schnell wieder vergraulen will.
So entspinnt sich eine sehr amüsante, völlig harmlose Verwechslungskomödie, in der Hagedorn ob seiner angeblichen Millionen von einer milde bedrohlichen Frau beharrlich angegraben wird, während Schlüter/Schulze das Geschehen mit großem Amüsement verfolgt – seinen Diener Johann Kesselhut (Günther Lüders), der als Begleitung mitgekommen ist, aber einen wohlhabenden Adeligen zu spielen hat, schickt er auf die Piste, er solle Skilaufen lernen; und dann ergötzt er sich an dessen Mühen.
Seine Filme sind Milieustudien, bisweilen auch Karikaturen deutschen (Spiess-)Bürgertums, von augenzwinkernder Ironie, gemütvoll und mit einem unerschöpflichen Arsenal an skurrilen Charakteren.
Das hat Michael Wenk in der NZZ in einem schönen Portrait über den Regisseur Kurt Hoffmann geschrieben, und es trifft auch hier zu: Natürlich ist der Humor vielleicht nicht der flotteste und frischeste, aber er ist wohlwollend leichtfüßig, was auch heißt: ohne große Gedankenschwere.
Zugleich ist Drei Männer im Schnee nicht nur ein Dokument der anscheinend zumindest für manche besseren, alten Zeit, sondern aus heutiger Sicht auch eine Zeitstudie über Dekor, Manierismen und Haltungen der Nachkriegszeit, in dem sich die Wirtschafts- und Gesellschaftsordnung, nicht zuletzt auch und gerade die Geschlechterordnung widerspiegeln. Vielleicht ist es (für mich) an der Zeit, die Filme Hoffmanns, die, aus dem Fernseher heraus, Filme meiner Kindheit waren (Das fliegende Klassenzimmer, Ich denke oft an Piroschka, Das Wirtshaus im Spessart wie auch Das Spukschloß im Spessart) nochmal genauer daraufhin zu sichten: Wie sehr sie – und das mag auch auf Hoffmanns wohl problematischsten Film Quax, der Bruchpilot zutreffen -, immer wohlwollend, und genau darin womöglich entlarvend, als fiktionale Linsen auf ihre jeweilige Zeit taugen. (Aber das trifft vielleicht auf alle Filme zu. Oder nicht?)
(Drei Männer im Schnee ist jetzt von MFA+ neu veröffentlicht worden, worauf manche ja schon seit einiger Zeit warteten.)
Die Werbemaschinerie zu Zack Snyders Sucker Punch läuft bereits beharrlich, auch wenn der Film erst in drei Monaten, dann aber in vielen Staaten gleichzeitig, zu sehen sein wird. Ich hatte hier schon einmal einen Trailer gepostet, in der neuen „Featurette“ sind noch einige kurze Sequenzen mehr zu sehen; und noch mehr wirkt der Film wie eine hochtourige Variation auf Tim Burton-Filme mit vielen, vielen Schußwaffen und Explosionen. Oder wahlweise DOA: Dead or Alive (meine Kritik) auf Speed.
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